Para el artista multidisciplinario chileno Guillermo Bert, quien vive en Los Ángeles, su mayor fuente de inspiración es su historia binacional. Como inmigrante, Bert comprende y espera poner los reflectores la difícil situación de la comunidad latina en Estados Unidos. Estos esfuerzos han llegado a un nuevo nivel con Warriors, una serie de esculturas de madera que rinden tributo a los trabajadores latinos y sus contribuciones a la sociedad estadounidense durante un momento clave de la historia.

Desde hace tiempo, la labor artística de Bert ha tenido un enfoque documental, dedicándose a hacer registros artísticos de narrativas culturales. En Warriors, el artista se inspira en los mundialmente famosos Guerreros de Terracota para contar las historias de los inmigrantes latinos, en particular de aquellos que fungieron como trabajadores esenciales durante la pandemia de COVID-19, haciendo una reverencia a su voluntad de lucha al proteger a todos mientras mantenían a sus familias.

Desde trabajadores de la construcción y la agricultura hasta médicos y profesores, las esculturas empezaron con trabajadores reales siendo escaneados en 3D. El resultado es una colección de monumentos a los esfuerzos de estas personas. Con este proyecto, Bert envía el mensaje de que estos trabajadores son héroes, y sus historias deben compartirse y celebrarse en ambos lados de la frontera.

My Modern Met platicó con Bert sobre este proyecto en desarrollo, el cual fue exhibido hace unos días en LA Art Show. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met con Guillermo Bert.

¿Qué inspiró The Warriors?

The Warriors están inspirados en los Guerreros de Terracota chinos, que permanecieron bajo tierra durante miles de años y luego fueron desenterrados, revelando un gran ejército oculto. Del mismo modo, los trabajadores latinos a menudo han pasado desapercibidos a pesar de estar a nuestro alrededor, manteniendo campos, construyendo casas y cuidando jardines. La pandemia hizo que la gente se diera cuenta de su inmenso valor, su coraje y su fuerza. He querido rendir tributo a estos millones de trabajadores a través de esta serie, honrando sus contribuciones.

¿Conoces personalmente a los trabajadores representados en las esculturas?

Sí, todas las esculturas están basadas en personas reales que forman parte de mi vida cotidiana. Por ejemplo, Margarita, que ha sido nuestra ama de llaves durante años, es una mujer muy trabajadora cuyos esfuerzos representan a millones de trabajadores. No estamos honrando a personas concretas, sino rindiendo tributo a los millones de personas que se levantan temprano y trabajan sin descanso. Otros, como Alex, carpintero, y Jesús, trabajador de la construcción en el complejo artístico de la fábrica de cerveza, también han inspirado estas esculturas. Además, trabajé con recolectores de fresas en Oxnard, capturando sus historias mediante componentes de realidad aumentada. Cada escultura se crea con un escaneado 3D preciso para capturar su rostro y expresión. Se trata de realismo y de honrar algo más grande.

¿Cómo ha sido el proceso creativo detrás de este proyecto?

Este proyecto era todo un reto porque requería utilizar varias tecnologías. Empezamos con entrevistas y búsquedas para encontrar a las personas adecuadas. Después, utilizamos un escáner 3D de alta gama para capturar modelos 3D detallados. Con el software Rhino, cortamos estos modelos en capas de 1/8 de pulgada para que coincidieran con el grosor del material. Cada capa se cortó con láser en madera de abedul. La escultura completa se ensambló a partir de unas 700 capas, creando una representación precisa de la persona. El proceso combina la escultura con un efecto de halo digital, haciendo énfasis en la intersección de el mundo físico y el digital.

¿Por qué elegiste la madera como el material principal para estas esculturas?

Cuando empecé a buscar materiales, contemplé opciones como las luces LED y el plexiglás, pero la madera me pareció más realista y adecuada. Mi idea original surgió de los Guerreros de Terracota, y quería un material que reflejara esa sensación terrenal. La madera, con sus tonos y texturas naturales, se funde con la estética del paisaje y ofrece una sensación de sensibilidad y autenticidad. El color natural y los bordes cortados con láser crean variaciones tonales que añaden dimensión. También es simbólica, ya que representa las capas de sedimentos y el tiempo, al igual que las propias figuras.

¿Cómo ha sido integrar en tu práctica métodos más novedosos, como el corte láser y el escaneado en 3D? ¿Qué aportan a cada pieza?

La integración de nuevos métodos, como el escaneado 3D y el corte láser, me ha permitido capturar la realidad de una manera profunda. Estas tecnologías ayudan a capturar detalles, contornos y expresiones, dando a las esculturas una calidad documental. El efecto de pixelado que produce el apilamiento de capas añade una sensación de movimiento y una calidad digital, lo que da como resultado una forma única de representación.

En un formato de instalación, la pieza parece estar viva y evolucionar constantemente, ya que se le pueden añadir más esculturas. ¿Cómo funciona esto? ¿Seguirás creando más Warriors?

Integrar en mi práctica nuevos métodos como el corte láser ha permitido que mi trabajo de instalación evolucione y se amplíe. He creado viñetas más pequeñas, como una exposición reciente en el Centro de Convenciones de Diverse LA, con una escena de una parada de autobús con figuras agrupadas a su alrededor. Dentro de la parada, incluí una imagen de la Virgen de Guadalupe–un símbolo de la santa patrona de los mexicanos—hecha con corte láser. En el exterior, un letrero con espejos reflejaba el Sueño Americano, permitiendo a las esculturas verse a sí mismas. Estos enfoques conceptuales permiten a la instalación explorar diferentes temas y perspectivas.

¿Qué esperas que la gente se lleve de tu arte?

Quiero un mundo más abierto e inclusivo, y mi mensaje en todo mi arte refleja ese deseo de comunicación y entendimiento, con el objetivo de crear una sociedad más plural.

Guillermo Bert: Sitio web | Instagram

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Foto: Eugene Kim / My Modern Met

La pintora mexicana Frida Kahlo es conocida por sus poderosos autorretratos, los cuales capturan sus pasiones, luchas y sueños en una paleta de colores brillantes. Pero también es fácil perder de vista al ser humano que hay detrás de la artista: una mujer llena de curiosidad que amó el arte toda su vida, una creadora discapacitada e incluso una excelente anfitriona con un gran cariño por su comunidad. El Museo Frida Kahlo de la Ciudad de México pone los reflectores sobre todas estas facetas, mostrando cómo el entorno de Kahlo moldeó su trabajo y, a su vez, cómo la artista convirtió esta encantadora casa en una ventana a su corazón.

El Museo Frida Kahlo, también conocido como “La Casa Azul” no alberga la mayor colección de pinturas de Frida Kahlo—ese honor corresponde al Museo Dolores Olmedo, en la zona Xochimilco de la Ciudad de México—pero se ubica en la casa donde Kahlo nació, vivió la mayor parte de su vida, trabajó y murió. Tras su muerte en 1954, su marido, Diego Rivera, la convirtió en museo, el cual abrió sus puertas al público en 1958.

El museo hace una crónica exhaustiva de la vida de Kahlo a través de las posesiones y algunas de sus obras de arte. Los visitantes pueden ver las herramientas que Kahlo utilizó a lo largo de su vida, desde sus primeros lápices de colores, que datan de su infancia, hasta el caballete que le permitía pintar desde su silla de ruedas. También hay muchas fotografías reveladoras, una tradición establecida por Guillermo, padre de Kahlo y fotógrafo reconocido.

El Museo Frida Kahlo también alberga la colección personal de arte de la pintora, así como sus queridos abalorios, muestra de su capacidad para maravillarse con cualquier objeto, independientemente de su origen. El museo tampoco teme abordar los problemas médicos de la artista. Los vendajes y medicamentos de Kahlo se exponen junto a objetos domésticos que reflejan su vida cotidiana, como una guía telefónica. También hay piezas más sombrías, como su último cuadro, su máscara mortuoria y sus cenizas, depositadas en un recipiente con forma de rana en su tocador.

Entre las piezas más interesantes se encuentran sus garabatos, tanto dibujos rápidos que distan mucho de la estética de sus pinturas más conocidas, como bocetos en cartas personales. Para quienes puedan dedicar varias horas a su visita, las cartas son una lectura cautivadora, ya que estas notas escritas a mano muestran el espíritu aguerrido que la caracterizó desde muy joven.

El museo también alberga una exposición de ropa de Kahlo, hallada en uno de los baños de la casa en 2004. La colección presenta sus ricamente decorados vestidos de tehuana–que conectan la ascendencia indígena de su madre con una época en la que la enfermedad de Kahlo la llevaba a ocultar las piernas—y sus corsés médicos hechos a medida, que Kahlo decoraba e integraba en sus atuendos. En conjunto, estas piezas simbolizan cómo la pintora llegó a ser vista también como un icono de la moda.

Más allá de los elementos en su interior, la casa en sí es una maravilla arquitectónica que encarna la esencia artística y social de Kahlo. Fue construida en estilo colonial, con un amplio jardín que entretuvo e inspiró a Kahlo, su familia y sus invitados durante muchos años. Aireada, soleada y con techos altos, es fácil entender por qué una persona creativa como Kahlo convirtió esta residencia en una extensión de sí misma.

Si deseas visitar el Museo Frida Kahlo, puedes comprar tus entradas por internet. Y si tienes previsto viajar a la Ciudad de México, te recomendamos que compres tus boletos al menos un mes antes de tu visita, ya que suelen agotarse con algunas semanas de antelación. Para más información, visita el sitio web del Museo Frida Kahlo.

El Museo Frida Kahlo de la Ciudad de México hace una crónica exhaustiva de la vida de la gran pintora mexicana.

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

El museo, también conocido como “La Casa Azul”, se ubica en la casa donde Kahlo nació, vivió la mayor parte de su vida, trabajó y murió.

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

Los visitantes pueden ver las herramientas que Kahlo utilizó a lo largo de su vida, desde sus primeros lápices de colores, que datan de su infancia, hasta el caballete que le permitía pintar desde su silla de ruedas.

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

El museo también celebra otras facetas de Kahlo, una mujer llena de curiosidad que amo el arte toda su vida, una creadora discapacitada e incluso una excelente anfitriona con un gran cariño por su comunidad.

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

El Museo Frida Kahlo también alberga la colección personal de arte de la pintora…

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

…así como sus queridos abalorios, muestra de su capacidad para maravillarse con cualquier objeto, independientemente de su origen.

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

El museo también alberga una exposición de ropa de Kahlo, hallada en uno de los baños de la casa en 2004.

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

Si planeas visitar el museo, te recomendamos comprar tus entradas con al menos un mes de anticipación.

Foto: Eugene Kim / My Modern Met

Museo Frida Kahlo: Website

My Modern Met visitó el Museo Frida Kahlo Museum y recibió permiso del personal para tomar las fotos que aparecen en este artículo, así como los videos grabados en el jardín que fueron subidas a nuestras redes sociales.

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En Salón ACME, una de las ferias de arte más importantes de México y parte de la Semana del Arte de la Ciudad de México, los artistas emergentes son los protagonistas, convirtiéndola en el lugar perfecto para descubrir a los mejores talentos de hoy y mañana. La feria, que acaba de celebrar su 12ª edición, se enorgullece de ser uno de los eventos de arte contemporáneo más originales del mundo, pues no sólo acoge a artistas visuales, sino también literatura, música, performance y hasta gastronomía.

Albergado por Proyectos Públicos en una casona que data de 1905, Salón ACME representa a la perfección cómo el arte no sólo es una entidad viva y en constante evolución, sino también cómo sus múltiples disciplinas pueden potenciarse mutuamente en un bucle infinito de inspiración. Desde su primera edición hace 12 años, la feria ha acercado a los creadores a nuevos públicos y mecenas en un ambiente relajado que fomenta la curiosidad y la conexión.

Salón ACME 2025 estuvo dividido en seis secciones—Open Call, Bodega, Estado invitado, Proyectos, Patio y Sala—ofreciendo a más de un centenar de creativos de distintos ámbitos un espacio para dar a conocer su trabajo. Open Call, la exposición principal del Salón ACME, presentó la obra de 79 artistas cuidadosamente seleccionados entre 1,800 creativos inscritos. Por otro lado, la sección Proyectos reconoció los esfuerzos de 29 galerías, espacios independientes y programas de residencia, tanto de México como del extranjero, dando cada institución la oportunidad de presentar el trabajo un artista en un formato de sala de proyectos.

En la sección Patio, dedicada a instalaciones de gran formato, la artista Julieta Gil se apropió de la zona central de la casa con Milflores. Esta instalación envolvente se inspira en la tradición de secar flores para crear una cartografía digital de la vegetación urbana, haciendo referencia al impulso humano por documentar y preservar lo efímero, aunque esto vaya contra la propia naturaleza de lo que intenta conservar.

From Bed to Living Room, compuesta por el trabajo de 21 artistas con curaduría de Enrique Giner de los Ríos, dio vida a la sección Bodega. Esta exposición colectiva reflexiona sobre los espacios personales y, en particular, sobre cómo les damos forma y estos nos inspiran a través de recuerdos, rituales y renovaciones físicas. Por último, la sección Sala, dedicado al mundo editorial, presentó un trabajo curatorial titulado Friction Matters, compuesto por materiales impresos que exploran los choques ideológicos en toda América Latina.

La 12ª edición de Salón ACME dio la bienvenida a los amantes del arte de la Ciudad de México y más allá del jueves 6 al domingo 9 de febrero, en General Prim 30, Juárez. Para conocer más sobre esta feria de arte, visita el sitio web de Salón ACME.

En Salón ACME, que llegó a su 12ª edición en 2025, los artistas emergentes son los protagonistas.

La feria no sólo acoge a artistas visuales, sino también literatura, música, performance y hasta gastronomía.

Salón ACME es albergado por Proyectos Públicos en una casona que data de 1905.

Salón ACME estuvo dividido en seis secciones–Open Call, Bodega, Estado invitado, Proyectos, Patio y Sala.

Este formato ofrece a más de un centenar de creativos de distintos ámbitos un espacio para dar a conocer su trabajo.

Open Call, la exposición principal del Salón ACME, presentó la obra de 79 artistas cuidadosamente seleccionados entre 1,800 creativos inscritos.

Por otro lado, la sección Proyectos reconoció los esfuerzos de 29 galerías, espacios independientes y programas de residencia.

Salón ACME 2025 tuvo lugar del 6 al 9 de febrero en General Prim 30, Juárez en CDMX.

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La 21º edición ZONA MACO, la feria de arte más importante de América Latina, tuvo lugar del 5 al 9 de febrero de 2025. Celebrada en el Centro Citibanamex, ubicado en la zona poniente de la Ciudad de México, la feria abrió sus puertas a 220 galerías de 30 países. My Modern Met también asistió a ZONA MACO 2025, donde vimos el trabajo de artistas establecidos y emergentes—una mezcla vibrante que ha hecho de ZONA MACO el evento principal de la Semana del Arte de la Ciudad de México.

ZONA MACO 2025 estuvo dividida en cuatro secciones: arte contemporáneo, fotografía, diseño y antigüedades. Arte contemporáneo, la más amplia de todas, recibió una ecléctica mezcla de disciplinas, desde esculturas hasta instalaciones. Sin embargo, la pintura parece reinar por encima del resto, inspirando a los artistas a experimentar con una amplia gama de temas y técnicas, desde los tradicionales óleos y acrílicos hasta opciones más atrevidas, como la obra de la artista brasileña Daniela Busarello, quien trabaja con cera de abejas y semillas.

La feria también fungió como un curso intensivo sobre la historia del arte latinoamericano del siglo XX, ya que varias galerías presentaron obras de algunas de sus figuras más conocidas. ZONA MACO 2025 contó con una importante muestra de pinturas del artista colombiano Fernando Botero y el pintor ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, dos de los creadores más destacados de la región. En el ámbito mexicano, se presentaron obras de Gabriel Orozco, coincidiendo con su nueva exposición en el Museo Jumex.

Una de las obras más emotivas exhibidas en ZONA MACO fue la de Ana Hernández. La artista, originaria de Oaxaca, en el sur de México, presentó La Manda, un homenaje a las lenguas que se hablan en esta región. La pieza está formada por dos espirales metálicas que sostienen 68 velas que cuelgan de sus mechas. Con esta manda—una oración acompañada de una ofrenda–, decorada con caracoles que representan la palabra hablada, la artista pide por la permanencia y supervivencia de estas lenguas en peligro de extinción.

Por su parte, la artista italiana Michela Martello llevó a ZONA MACO una de las piezas más hipnóticas de la feria. Lo que la hace especialmente llamativa es que su encanto sólo puede experimentarse entrando en la obra. The Heavenly Princesses es un laberinto textil de tonos rosas que representa un viaje desde el caos hasta la paz del vientre materno, acompañado por deidades femeninas de diferentes culturas a lo largo del recorrido. En contraste con la calma de la obra de Martello y dando voz a un tema coyuntural, Vanessa Baird presentó la instalación Lost Humanity. One Way Ticket to Mars. Esta obra captura los horrores del genocidio palestino en enormes paneles de papel decorados con carboncillo y pasteles.

Para ver aún más de lo que vimos en ZONA MACO 2025, así como todos los otros emocionantes eventos que conforman la Semana del Arte de la Ciudad de México, echa un vistazo a los videos en la parte inferior de este artículo y mantente al tanto de aún más siguiendo a My Modern Met en Instagram.

La 21º edición ZONA MACO, la feria de arte más importante de América Latina, tuvo lugar del 5 al 9 de febrero de 2025 en CDMX.

Celebrada en el Centro Citibanamex, la feria abrió sus puertas a 220 galerías de 30 países.

ZONA MACO 2025 estuvo dividida en cuatro secciones: arte contemporáneo, fotografía, diseño y antigüedades.

Arte contemporáneo, la más amplia de todas, recibió una ecléctica mezcla de disciplinas, desde esculturas hasta instalaciones.

Ana Hernández, originaria de Oaxaca, México, presentó La Manda,un impresionante homenaje a las lenguas que se hablan en esta región.

 

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La artista italiana Michela Martello presentó The Heavenly Princesses, un laberinto textil en tonos rosas que representa un viaje desde el caos hasta la paz del vientre materno.

 

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La feria también fungió como un curso intensivo sobre la historia del arte latinoamericano del siglo XX, puesto que varias galerías presentaron obras de algunas de sus figuras más conocidas.

My Modern Met visitó ZONA MACO 2025, donde exploramos la obra de artistas establecidos y emergentes.

Mira algunos de nuestros favoritos en de ZONA MACO 2025 en los videos a continuación.

 

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Vista de la exposición Gabriel Orozco: Politécnico Nacional. Museo Jumex, 2025. Foto: Gerardo Landa & Eduardo López (GLR Estudio).

Por más de 40 años, el artista mexicano Gabriel Orozco ha desafiado las nociones sobre cómo hacer arte. Esto no sólo ha dado forma a sus obras, sino también a la manera en que éstas son creadas y, a su vez, se relacionan con el mundo a su alrededor, desdibujando los límites entre arte y objeto. Una nueva exposición transforma el Museo Jumex de la Ciudad de México en un área de juegos en la que Orozco presenta las muchas disciplinas y estrategias que ha explorado a lo largo de cuatro décadas de carrera.

La muestra Gabriel Orozco: Politécnico Nacional es la primera exposición del artista en México en un museo desde 2006, ya que sus últimas muestras habían tenido lugar en galerías. Aunque es considerada la mayor retrospectiva de Orozco, él no la ve como tal. Por el contrario, la define como una compilación, un “paisaje de estratos” en el que piezas pequeñas, como dibujos y fotografías—una faceta menos conocida de Orozco–conviven con obras de gran formato. El título es un guiño a las muchas técnicas, intereses y viajes que el artista ha coleccionado a lo largo de su vida.

La exposición, que abarca todo el museo, consta de 300 objetos. En lugar de estar ordenadas cronológicamente, las piezas son presentadas en función de los temas y reflexiones del artista. En particular, la disposición parte del concepto de “constelaciones”, donde conjuntos de objetos, así como sus relaciones dentro y fuera de sus grupos, tienen significado propio. En lugar de presentar un montón de piezas nuevas, la exposición permite tanto al artista como al público contemplar estas obras desde una nueva perspectiva, “donde está todo mezclado y yo lo veo como si fuera todo nuevo”, el artista le dijo al diario mexicano La Razón. “Esta exposición tiene el potencial de ver cómo se ha transformado mi obra y una manera de reentender el pasado contemporáneo”.

Entre las piezas más destacadas de Gabriel Orozco: Politécnico Nacional están la instalación Dark Wave, una réplica a tamaño natural del esqueleto de una ballena azul, cubierto de un detallado patrón geométrico—y la segunda versión de Mátrix Móvil, que corona la Biblioteca Vasconcelos de la Ciudad de México; La DS (Cornaline), un coche modelo Citroën DS encogido y cortado por la mitad; y una nueva edición de Ping Pond Table, compuesto por dos mesas de ping pong cortadas y dispuestas alrededor de un estanque artificial.

La exposición se divide en cuatro pisos–cada una con una tema único– y la plaza pública del museo. De arriba a abajo, las temáticas son el aire y lo flotante; la tierra y lo que crece en ella, como las plantas; lo subacuático–donde se encuentra Dark Wave—; y Composta, en la que los visitantes pueden consultar videos y paneles informativos sobre la obra de Orozco.

“Pensar en las múltiples ‘técnicas’ de Orozco, no es sólo una cuestión de si utiliza técnicas artísticas tradicionales como la talla o el vaciado, el esmalte o el impasto”, dijo Briony Fer, curadora de la exhibición, a través de un comunicado de prensa. “Se trata más bien de preguntarse cómo utiliza las herramientas de rotación y simetría, entre otros modus operandi, es decir, otras formas de trabajar, para crear nuevas relaciones y correspondencias entre las cosas. En el proceso, desestabiliza lo creemos saber sobre el mundo”.

Gabriel Orozco: Politécnico Nacional estará abierta hasta el 3 de agosto de 2025 en el Museo Jumex de la Ciudad de México. La entrada es libre. Para conocer más, visita sitio web del Museo Jumex.

Una nueva exposición en el Museo Jumex de Ciudad de México muestra las múltiples técnicas que el artista mexicano Gabriel Orozco ha explorado a lo largo de cuatro décadas de trabajo.

Gabriel Orozco
La DS (Cornaline), 2013
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery, Nueva York/París/Los Ángeles

La muestra Gabriel Orozco: Politécnico Nacional es la primera exposición del artista en un museo en México desde 2006.

Gabriel Orozco
Untitled (Airline Ticket), 2001
La Colección Jumex, Mexico. Foto: John Berens

Aunque se considera la mayor retrospectiva de la obra de Orozco, él no la ve como tal. Por el contrario, la define como una compilación.

Vista de la exposición Gabriel Orozco: Politécnico Nacional. Museo Jumex, 2025. Foto: Gerardo Landa & Eduardo López (GLR Estudio).

En este “paisaje de estratos” en el que piezas más pequeñas, como dibujos y fotografías–una faceta menos conocida de Orozco–conviven con obras de gran formato.

Gabriel Orozco
Four Bicycles (There is Always One Direction),1994
Foto: Tom Powel
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery, Nueva York/París/Los Ángeles

El título es un guiño a las numerosas técnicas, intereses y viajes que ha coleccionado a lo largo de su vida.

Vista de la exposición Gabriel Orozco: Politécnico Nacional. Museo Jumex, 2025. Foto: Gerardo Landa & Eduardo López (GLR Estudio).

En lugar de estar ordenadas cronológicamente, las obras se exponen en función de los temas y reflexiones del artista.

Gabriel Orozco
Balones acelerados, 2005 Colección Museo Universitario Arte Contemporáneo, DiGAV, UNAM

La muestra parte del concepto de “constelaciones” de Orozco, donde conjuntos de objetos, así como sus relaciones dentro y fuera de su grupos, tienen significado propio.

Vista de la exposición Gabriel Orozco: Politécnico Nacional. Museo Jumex, 2025. Foto: Gerardo Landa & Eduardo López (GLR Estudio).

En lugar de presentar un montón de piezas nuevas, la exposición permite tanto al artista como al público contemplar estas obras desde una nueva perspectiva.

Gabriel Orozco
Árbol nuevo, 2006
Colección Isabel y Agustín Coppel

La exposición está dividida en cuatro plantas –cada una con un tema único–, así como la plaza pública del museo.

Vista de la exposición Gabriel Orozco: Politécnico Nacional. Museo Jumex, 2025. Foto: Gerardo Landa & Eduardo López (GLR Estudio).

“Esta exposición tiene el potencial de ver cómo se ha transformado mi obra y una manera de reentender el pasado contemporáneo”, dijo Orozco.

Gabriel Orozco
‘El jardín del mundo,' 1998
Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery, Nueva York/París/Los Ángeles

La exposición consta de 300 piezas.

Vista de la exposición Gabriel Orozco: Politécnico Nacional. Museo Jumex, 2025. Foto: Gerardo Landa & Eduardo López (GLR Estudio).

Gabriel Orozco: Politécnico Nacional estará abierta hasta el 3 de agosto en el Museo Jumex de la Ciudad de México.

Gabriel Orozco
Working Table, (Tokyo), 2015-2023
Jenny Yeh, Winsing Arts Foundation
Instalación en Jenny Yeh, Winsing Art Place en Taipei, 2024

Museo Jumex: Sitio web | Instagram

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ZⓈONAMACO en 2022. (Via Wikimedia Commons, CC 4.0)

La 21º edición de ZⓈONAMACO está a punto de llegar. Del 5 al 9 de febrero de 2025, la gran feria de arte contemporáneo estará de vuelta en su sede habitual–el Centro Citibanamex de Ciudad de México–donde reunirá a cientos de galerías, museos, colectivos y otras instituciones artísticas de todo el mundo.

Desde su fundación en 2002 por Zélika García, ZⓈONAMACO se ha convertido en una plataforma dinámica que ha acercado nuevos públicos al arte contemporáneo, el diseño, la fotografía y las antigüedades. Si bien ZⓈONAMACO busca impulsar el arte latinoamericano, la feria se ha consagrado como una de las más importantes a nivel mundial. Este año, el evento acogerá a cerca de 200 galerías internacionales de 27 países.

Al igual que en ediciones anteriores, ZⓈONAMACO contará con una amplia selección de arte contemporáneo, antigüedades, fotografía y diseño; así como secciones especializadas en una rama o tema en específico. Por ejemplo, Arte Moderno explora obras icónicas del siglo XX, mientras que destaca los movimientos de vanguardia y su impacto cultural. Esta sección hace especial hincapié en las galerías locales, ya que siete de las once instituciones participantes tienen su sede en México.

“ZⓈONAMACO Sur” se enfoca en el Sur Global, desafiando los ideales eurocéntricos a través de obras de arte que abordan la identidad, la memoria y la comunidad. Las galerías que componen esta sección provienen de varios países latinoamericanos, como Chile, Brasil y Argentina, así como España, Estados Unidos, Italia, Austria y Noruega.

“ZⓈONAMACO Ejes” tiene un alcance aún más concreto. La sección explora el concepto de libertad a través de perspectivas críticas y poéticas, con obras de galerías como Afriart Gallery, de Uganda, Galería Nora Fisch, de Argentina, y Yiwei Gallery, de Estados Unidos y China.

Con un enfoque más práctico, “ZⓈONAMACO Diseño” engloba muebles, joyas y objetos decorativos de edición limitada, también con una importante participación de instituciones mexicanas. En el “Salón del Anticuario” también se exponen antigüedades excepcionales y piezas patrimoniales, ya sea arte sacro o mobiliario de importancia histórica.

Por cuarto año consecutivo, Artsy Nights reunirá a los amantes del arte y la música electrónica con un show muy especial que tendrá lugar el 7 de febrero. Este año, Artsy Nights tendrá como actos principales a Honey Dijon y Kilimanjaro, además de contar con presentaciones de Mental, Zombie Affair, y Daniel Weil b2b Paulor. Conoce más y consigue tus boletos en el sitio web de Artsy Nights.

My Modern Met estará presente en ZⓈONAMACO, cubriendo los momentos más especiales de la feria. Para no perderte ningún detalle, síguenos en Instagram, y explora todo lo que esta feria tiene para ofrecer en el sitio web de ZⓈONAMACO.

La 21º edición de ZⓈONAMACO abrirá sus puertas el 5 de febrero de 2025 en la Ciudad de México.

Galería destacada de la edición 2025: Galería Quetzalli, México

Galería destacada de la edición 2025: Piztola, México

Galería destacada de la edición 2025: Galeria Lume, Brasil

Este año, la renombrada feria de arte contará con cerca de 200 galerías de 27 países de todo el mundo.

Galería destacada de la edición 2025: Maat Gallery, Francia

Galería destacada de la edición 2025: Afriart Gallery, Uganda

Galería destacada de la edición 2025: Yiwei Gallery, Estados Unidos y China

Galería destacada de la edición 2025: Galería Artizar, España

Desde su fundación en 2002, la feria ha impulsado el arte latinoamericano contemporáneo, ofreciendo al mismo tiempo una experiencia internacional.

Galería destacada de la edición 2025: Breuer, México

Galería destacada de la edición 2025: Palma, México

Galería destacada de la edición 2025: Max Estrella, España

Galería destacada de la edición 2025: Galleria Anna Marra, Italia

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