Para el artista multidisciplinario chileno Guillermo Bert, quien vive en Los Ángeles, su mayor fuente de inspiración es su historia binacional. Como inmigrante, Bert comprende y espera poner los reflectores la difícil situación de la comunidad latina en Estados Unidos. Estos esfuerzos han llegado a un nuevo nivel con Warriors, una serie de esculturas de madera que rinden tributo a los trabajadores latinos y sus contribuciones a la sociedad estadounidense durante un momento clave de la historia.

Desde hace tiempo, la labor artística de Bert ha tenido un enfoque documental, dedicándose a hacer registros artísticos de narrativas culturales. En Warriors, el artista se inspira en los mundialmente famosos Guerreros de Terracota para contar las historias de los inmigrantes latinos, en particular de aquellos que fungieron como trabajadores esenciales durante la pandemia de COVID-19, haciendo una reverencia a su voluntad de lucha al proteger a todos mientras mantenían a sus familias.

Desde trabajadores de la construcción y la agricultura hasta médicos y profesores, las esculturas empezaron con trabajadores reales siendo escaneados en 3D. El resultado es una colección de monumentos a los esfuerzos de estas personas. Con este proyecto, Bert envía el mensaje de que estos trabajadores son héroes, y sus historias deben compartirse y celebrarse en ambos lados de la frontera.

My Modern Met platicó con Bert sobre este proyecto en desarrollo, el cual fue exhibido hace unos días en LA Art Show. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met con Guillermo Bert.

¿Qué inspiró The Warriors?

The Warriors están inspirados en los Guerreros de Terracota chinos, que permanecieron bajo tierra durante miles de años y luego fueron desenterrados, revelando un gran ejército oculto. Del mismo modo, los trabajadores latinos a menudo han pasado desapercibidos a pesar de estar a nuestro alrededor, manteniendo campos, construyendo casas y cuidando jardines. La pandemia hizo que la gente se diera cuenta de su inmenso valor, su coraje y su fuerza. He querido rendir tributo a estos millones de trabajadores a través de esta serie, honrando sus contribuciones.

¿Conoces personalmente a los trabajadores representados en las esculturas?

Sí, todas las esculturas están basadas en personas reales que forman parte de mi vida cotidiana. Por ejemplo, Margarita, que ha sido nuestra ama de llaves durante años, es una mujer muy trabajadora cuyos esfuerzos representan a millones de trabajadores. No estamos honrando a personas concretas, sino rindiendo tributo a los millones de personas que se levantan temprano y trabajan sin descanso. Otros, como Alex, carpintero, y Jesús, trabajador de la construcción en el complejo artístico de la fábrica de cerveza, también han inspirado estas esculturas. Además, trabajé con recolectores de fresas en Oxnard, capturando sus historias mediante componentes de realidad aumentada. Cada escultura se crea con un escaneado 3D preciso para capturar su rostro y expresión. Se trata de realismo y de honrar algo más grande.

¿Cómo ha sido el proceso creativo detrás de este proyecto?

Este proyecto era todo un reto porque requería utilizar varias tecnologías. Empezamos con entrevistas y búsquedas para encontrar a las personas adecuadas. Después, utilizamos un escáner 3D de alta gama para capturar modelos 3D detallados. Con el software Rhino, cortamos estos modelos en capas de 1/8 de pulgada para que coincidieran con el grosor del material. Cada capa se cortó con láser en madera de abedul. La escultura completa se ensambló a partir de unas 700 capas, creando una representación precisa de la persona. El proceso combina la escultura con un efecto de halo digital, haciendo énfasis en la intersección de el mundo físico y el digital.

¿Por qué elegiste la madera como el material principal para estas esculturas?

Cuando empecé a buscar materiales, contemplé opciones como las luces LED y el plexiglás, pero la madera me pareció más realista y adecuada. Mi idea original surgió de los Guerreros de Terracota, y quería un material que reflejara esa sensación terrenal. La madera, con sus tonos y texturas naturales, se funde con la estética del paisaje y ofrece una sensación de sensibilidad y autenticidad. El color natural y los bordes cortados con láser crean variaciones tonales que añaden dimensión. También es simbólica, ya que representa las capas de sedimentos y el tiempo, al igual que las propias figuras.

¿Cómo ha sido integrar en tu práctica métodos más novedosos, como el corte láser y el escaneado en 3D? ¿Qué aportan a cada pieza?

La integración de nuevos métodos, como el escaneado 3D y el corte láser, me ha permitido capturar la realidad de una manera profunda. Estas tecnologías ayudan a capturar detalles, contornos y expresiones, dando a las esculturas una calidad documental. El efecto de pixelado que produce el apilamiento de capas añade una sensación de movimiento y una calidad digital, lo que da como resultado una forma única de representación.

En un formato de instalación, la pieza parece estar viva y evolucionar constantemente, ya que se le pueden añadir más esculturas. ¿Cómo funciona esto? ¿Seguirás creando más Warriors?

Integrar en mi práctica nuevos métodos como el corte láser ha permitido que mi trabajo de instalación evolucione y se amplíe. He creado viñetas más pequeñas, como una exposición reciente en el Centro de Convenciones de Diverse LA, con una escena de una parada de autobús con figuras agrupadas a su alrededor. Dentro de la parada, incluí una imagen de la Virgen de Guadalupe–un símbolo de la santa patrona de los mexicanos—hecha con corte láser. En el exterior, un letrero con espejos reflejaba el Sueño Americano, permitiendo a las esculturas verse a sí mismas. Estos enfoques conceptuales permiten a la instalación explorar diferentes temas y perspectivas.

¿Qué esperas que la gente se lleve de tu arte?

Quiero un mundo más abierto e inclusivo, y mi mensaje en todo mi arte refleja ese deseo de comunicación y entendimiento, con el objetivo de crear una sociedad más plural.

Guillermo Bert: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Guillermo Bert para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Nueva muestra explora las técnicas con las que Gabriel Orozco desafía las formas de hacer arte

Salón ACME celebra a creadores emergentes que cuyo trabajo debemos seguir de cerca

Artista desarma máquinas de escribir antiguas para crear esculturas de pájaros

ZONA MACO 2025: Lo mejor de la feria de arte contemporáneo más importante de América Latina

READ: Artista se inspira en los guerreros de terracota para rendir tributo a los trabajadores latinos en EUA [Entrevista]

Hace casi 30 años, el escultor Jeremy Mayer desarmó una máquina de escribir. Al hacerlo, descubrió un medio que combinaba la creatividad con su amor por la máquinas vintage. Como la mayoría de las personas de cierta edad, Mayer recuerda haber tenido una máquina de escribir en casa. De niño, quedó fascinado con su diseño y movimiento. Ahora, como adulto, sus esculturas, que retratan pájaros de todo tipo, son maravillas estéticas que nos hacen pensar en el pasado y hacia dónde se dirige la tecnología.

Cada escultura está hecha de partes de diferentes máquinas de escribir que Mayer ha coleccionado a lo largo de las últimas décadas. No usa pegamento ni soldaduras; las esculturas son construidas usando los tornillos, tuercas y pernos de la máquina de escribir.

“Todo el proceso es como [usar] bloques de LEGO”, le dice a My Modern Met. “Mi proceso de estudio consiste en construir un enorme rompecabezas con infinitas combinaciones, usando solo lo que tengo a mi disposición de inmediato. La construcción implica mucho desmontaje y luego montaje de la escultura en curso, ya que las cosas no siempre se quedan unidas o no se ven del todo bien a la primera. Puede ser increíblemente frustrante, pero siempre, en última instancia, gratificante”.

Desde cuervos que mueven la cabeza hasta delicados gorriones que pueden extender sus alas, las esculturas de pájaros de Mayer capturan magistralmente la personalidad de cada animal. Después de varias décadas de usar máquinas de escribir, una elección que inicialmente fue provocada por su amor por el reciclaje y las finanzas personales, aún encuentra inspiración en ellas. “Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina”, comparte Mayer, “ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

Por supuesto, también es muy consciente de que algunos pueden tener reacciones negativas al hecho de que desmonte de estas máquinas, señalando que las personas a menudo hacen las mismas preguntas que él se hizo cuando desarmó su primera máquina de escribir. Estas preguntas incluyen, “¿alguien debería estar haciendo esto con una máquina tan útil y bellamente diseñada que ya no se produce? ¿Qué pasa con todas las personas que se escribieron entre sí con esta máquina? ¿Cómo puede [él] destruir una máquina que parece estar imbuida de una personalidad? ¿Qué dice esto sobre nuestra relación personal con las máquinas, particularmente a medida que la tecnología y la sociedad avanzan y evolucionan?”.

Pero, como señala Mayer, estas preguntas nos rodean a medida que evolucionamos constantemente y superamos los límites de la tecnología. Esto incluye, entre otros, la IA, el poder de las redes sociales y el ADN programable.

Mayer pregunta: “¿Qué es una máquina? ¿Qué es la vida? Todas estas son preguntas que solo puedo responder haciendo mi trabajo. Todavía no tengo ninguna respuesta, pero siempre siento que me estoy acercando”.

Para conocer más sobre el proceso creativo de Mayer y su amor por las máquinas de escribir, mira el documental California Typewriter de 2016. Si te gustaría adquirir una escultura, Mayer da informes a través de Instagram.

Desde hace casi 30 años, Jeremy Mayer ha creado esculturas con piezas de máquinas de escribir.

Su trabajo incluye esculturas de aves, incluyendo algunas piezas móviles.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Jeremy Mayer (@jeremymayer)

Para crear sus esculturas, Mayer desarma diferentes máquinas de escribir y une las piezas.

No usa pegamento ni soldaduras; todo se mantiene unido usando solo piezas de máquina de escribir.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Jeremy Mayer (@jeremymayer)

“Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

Jeremy Mayer: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Jeremy Mayer para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Esta artista talla esculturas de aves tan pequeñas que necesitarás un microscopio para apreciarlas por completo

Estas esculturas de papel de aves y mariposas son tan detalladas que parecen de verdad

Esculturas líricas de mujeres cuentan historias a través de su lenguaje corporal y su gran melena

READ: Artista desarma máquinas de escribir antiguas para crear esculturas de pájaros

La artista japonesa Kaori Kurihara esculpe extravagantes esculturas de cerámica con forma de frutas y plantas exóticas, tanto reales como imaginarias. Sus exquisitas piezas se inspiran en gran medida en el mundo vegetal, especialmente en las formas y la repetición geométrica natural de las formas de la naturaleza. ¿Su primera musa? El durián: una fruta puntiaguda, comúnmente encontrada en las regiones del sudeste asiático, que es conocida por su apestoso olor y su sabor distintivo.

“Me sorprendió su forma única y magnífica”, comparte Kurihara. “Gracias a este descubrimiento, empecé a crear mi serie de ‘frutas imaginarias'… Me inspiro en la naturaleza y busco un equilibrio entre la realidad y la fantasía. Es mi propia imaginación”.

Kurihara también se inspira en las formas y texturas de otras frutas exóticas y de la vegetación tropical. Y con un pie firmemente plantado en la naturaleza y el otro rozando el mundo de los sueños, Kurihara elabora piezas imaginativas que son realistas y oníricas a a la vez. Cada una de ellas se construye a mano con una gran atención al detalle antes de ser adornadas con colores vívidos y llamativos.

“Quiero representar algo vivo, y sentir la vitalidad de mis piezas”, dice Kurihara. “Cada parte de la pieza debe ser tocada y trabajada, nunca dejo una parte en blanco… Si siento una conexión visual, eso significa que he tenido éxito”.

A pesar de lo intrincadas que son sus piezas de cerámica, Kurihara admite que el paso más largo del proceso es decidir qué pigmentos de colores usará para decorar sus creaciones. “La propia pieza me guía hacia sus colores”, explica. Cuando la visión de Kurihara se materializa, es difícil no quedar hipnotizado por las exquisitas texturas y los tonos matizados que adornan la superficie de sus extrañas y encantadoras frutas.

Mira más imágenes de las magníficas esculturas de cerámica de Kurihara a continuación, y sigue a la artista en Instagram y Facebook para estar al día con sus últimas creaciones.

La artista japonesa Kaori Kurihara fabrica magníficas esculturas de cerámica que rozan los límites entre la fantasía y la realidad.

Sus creaciones se inspiran en frutas exóticas y otros motivos naturales.

La artista combina elementos —tanto reales como imaginarios— para crear sus propias “frutas imaginarias”.

Cada pieza está hecha a mano y está adornada con una gran cantidad de detalles.

Y cuando la visión de Kurihara cobra vida, es difícil no quedar hipnotizado por sus encantadoras creaciones de cerámica.

Kaori Kurihara: Sitio web | Instagram | Facebook

My Modern Met obtuvo permiso de Kaori Kurihara para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Estas fascinantes esculturas de cerámica imitan los patrones de las criaturas acuáticas

Esculturas surrealistas de cerámica capturan las formas espectaculares que se encuentran en la naturaleza

Artista crea vasijas de cerámica tan pequeñas que puedes sostenerlas con un dedo

Esta gigantesca escultura está hecha de 70,000 vasijas individuales

READ: Ceramista japonesa fabrica extravagantes esculturas de frutas exóticas

Este artículo puede contener links de afiliados. Si realizas una compra, My Modern Met puede obtener una comisión. Por favor lee nuestra divulgación de afiliados para mayor información.

Creativos de todo el mundo han sacado provecho a la pareja perfecta que forman la madera madera y la resina para crear impresionantes obras de arte. El artista ucraniano Yurii Myketka, mejor conocido por su proyecto Woodwhale Lab, se especializa  en producir esculturas de animales con una estética impecable a partir de esta mezcla.

Con sus cuerpos minimalistas y detalles pulidos, estas figuritas en miniatura son visualmente llamativas. Myketka crea estos atractivos diseños alternando la ubicación de la madera y la resina en la escultura, utilizando colores llamativos en tonos brillantes y simplificando las formas de los animales a partir de sus características más reconocibles. Como resultado, su colección de criaturas es a la vez encantadoramente entrañable y hermosa.

Desde pingüinos hasta zorros y pájaros pequeños, Myketka plasma una gran variedad de criaturas con su estilo distintivo. A veces crea a propósito parejas de animales con características que se complementan entre ellas, mientras que otras piezas se presentan individualmente como figurillas solitarias. Cada pieza, sin embargo, posee la esencia de la especie en la que está inspirada.

A continuación, ve algunas de las esculturas de animales de madera y resina de Myketka. Cuando no está produciendo criaturas de madera y resina, Myketka también hace tapices de pared personalizados, joyas y más. Echa un vistazo a su tienda de Etsy aquí.

El artista ucraniano Yurii Myketka, mejor conocido por su proyecto Woodwhale Lab, crea hermosas esculturas de animales de madera y resina.

Sus piezas más recientes consisten en parejas de animales que se complementan entre ellos.

Estas esculturas de zorros y pájaros son representaciones minimalistas de criaturas reales.

Yurii Myketka: Facebook | Instagram | Etsy

My Modern Met obtuvo permiso de Yurii Myketka para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Estas lámparas de madera y resina inspiradas en el océano celebran las maravillas de la exploración submarina

Ex jugador de beisbol ahora se dedica a crear espectaculares animales de madera y resina

Estas mesas de madera y resina con forma de tabla de surf brillan en la oscuridad

READ: La madera y la resina se unen en estas hermosas esculturas minimalistas de animales

Foto: Cata65

El arte público es una forma maravillosa de hacer que los transeúntes interactúen con su entorno. Añade una capa de interés y diversión a los espacios públicos concurridos, y también puede ser una parte funcional de la vida cotidiana de la gente. Este es el caso de una obra de arte del escultor y dibujante alemán Karl-Henning Seemann. La obra, que representa a un grupo de figuras de tamaño natural que se esfuerzan por hacer subir a un grupo de animales obstinados, sirve también de barandilla para subir una empinada escalera.

Parte de la escultura se extiende desde la base de la escalera hasta la mitad de la misma. Presenta una cuerda de bronce que une a un caballo que se niega a moverse, con los cascos firmemente plantados y la cola extendida, y a la mujer que lo jala desde el otro extremo. La segunda parte, que llega a la cima de la escalera, muestra aún más dramatismo; tres hombres luchan por hacer que una cabra suba la “montaña”; uno de ellos ha caído hacia delante y otro trata de salvarlo.

Seemann es conocido por sus esculturas dinámicas de tamaño natural. “Siempre me preocupa la cuestión de cómo puedo traducir el movimiento, la cuarta dimensión del tiempo”, dice su sitio web, “en el arte de la escultura que está ligada a la gravedad, sin que la escultura se congele en una sola pose”.

Esta pieza figurativa sin título, instalada en 1981, se encuentra en el distrito alemán de Schwäbisch Hall, frente a la oficina de administración del distrito (Landratsamt) de la ciudad. Las propias escaleras se conocen localmente como Kleine Treppe (escalera pequeña), en comparación con la Große Treppe (escalera grande), que son las escaleras situadas frente a la iglesia de la plaza del mercado de la ciudad. Ambos conjuntos de escaleras se utilizan estacionalmente como escenario para un teatro al aire libre, y la escalera pequeña suele utilizarse para el teatro infantil.

Es apropiado, ya que las dinámicas esculturas de Seemann parecen una especie de actuación en sí mismas. Son magnéticas y conmovedoras a la vez que se mantienen sólidas e inmóviles. “Mi trabajo siempre trata del conjunto”, explica, “de la síntesis de los opuestos: la dinámica y la estática en el volumen y el espacio, el ritmo de la forma en el efecto de larga distancia y de cerca, la libertad del arte en la conexión con una tarea: cuanto más fuerte es una, más grande es la otra”.

Puede explorar una amplia galería de obras de Keemann, que van desde esculturas de bronce hasta retratos a lápiz, en su sitio web.

Esta escultura de bronce, que representa figuras de tamaño natural que luchan por hacer subir a un grupo de animales obstinados por una “montaña”, también sirve de barandilla para subir una empinada escalera.

Foto: Cata65

La escultura, obra del escultor Karl-Henning Seemann, se encuentra en el distrito alemán de Schwäbisch Hall, frente a la oficina de administración del distrito de la ciudad.

Foto: Mendel Hoffman

Echa un vistazo a la escala de la escultura a través de Google Street View.

Karl-Henning Seemann: Sitio web
h/t: [Reddit]

Artículos relacionados:

Entrevista: Destacado escultor reflexiona sobre sus más de 30 años creando arte en espacios públicos

Escultura monumental de una mujer fragmentada invita al público a unirse a través de la música

Esculturas en el Arboreto Morton celebran la conexión entre el humano y la naturaleza

READ: Una escultura dinámica sirve de barandilla para subir una escalera empinada

La artista Mariko Kusumoto, con sede en Boston, crea grupos de delicadas esculturas que parecen recién sacadas del océano. Sus jardines subacuáticos están hechos con una combinación de diferentes telas, y le gusta crear montajes lúdicos que despierten la imaginación del espectador.

Kusumoto usa poliéster, nylon y algodón en una gama de colores para hacer delicadas figuras que se asemejan a corales y criaturas marinas. Como resultado, estas esculturas de tela parecen delicadas al tacto y translúcidas ante la luz. “Mi obra refleja diversos fenómenos observables que estimulan mi mente y mis sentidos”, explica Kusumoto en su sitio web. “Los ‘reorganizo' en una nueva presentación que puede describirse como surrealista, divertida, graciosa o inesperada”.

El alcance de sus obras va desde figuras individuales hasta arreglos de múltiples esculturas de tela. En el caso de las obras más grandes, captan la esencia de un arrecife de coral: rebosante de color y de diversas formas orgánicas. “Una atmósfera lúdica y alegre impregna mi trabajo”, añade. “Siempre me gusta dejar cierto espacio para la imaginación; espero que los espectadores experimenten una sensación de descubrimiento, sorpresa y asombro a través de mi obra”.

Puedes ver el arte de Kusumoto en persona en una próxima exposición en el Museo Morikami y Jardín Japonés de Delray Beach, Florida, en noviembre de 2022. Mantente al día de sus últimos proyectos siguiéndola en Instagram.

La artista japonesa Mariko Kusumoto, con sede en Boston, crea esculturas etéreas con tela.

Usa poliéster, nylon y algodón en una gama de colores para hacer delicadas figuras que se asemejan a corales y criaturas marinas.

Mariko Kusumoto: Sitio web | Instagram | Facebook

My Modern Met obtuvo permiso de Mariko Kusumoto para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Artista usa desechos textiles reciclados para crear alfombras y tapices inspirados en el océano

Estas complejas esculturas textiles exploran el optimismo en el ciclo de la vida

Estas obras de arte textil celebran la minúscula belleza por descubrir en el mundo natural

READ: Etéreas esculturas de tela lucen como coloridos corales y criaturas del mar

En las piezas de Akiko Mimasu, personajes etéreos y delicados emergen un material contrastante: la madera. Esta artista japonesa talla rostros tranquilos y adormilados en largos trozos de madera, cada uno de los cuales parece estar envuelto de forma segura dentro del tronco, como si se tratara de una cobija ajustada.

Con accesorios que parecen ser de felpa, estas figuras dormidas se ven completamente tranquilas; es como si tomaran una siesta cómodamente dentro del bloque de madera. Cada rostro está cuidadosamente tallado para mostrar una expresión joven y tierna con los ojos cerrados. Mientras que algunos de los sujetos están completamente cubiertos por el material base, otros tienen una o dos manos alrededor de la parte superior de la madera.

Es difícil descifrar la intención de Mimasu al crear estas enigmáticas figuras. Sin embargo, una interpretación puede ser una muestra de una relación armoniosa entre los materiales naturales y las personas. Mientras que las caras de los sujetos están cuidadosamente talladas para ocultar la textura natural del árbol, el resto del medio permanece en su estado original.

A continuación, ve más esculturas de madera de Mimasu y sigue a la artista en Instagram para estar al día con sus últimos proyectos.

La artista japonesa Akiko Mimasu talla figuras etéreas en grandes trozos de madera.

Estos sujetos anónimos parecen estar en un estado de sueño tranquilo.

Mientras que algunos de los individuos están completamente cubiertos por el material base, otros tienen una o dos manos alrededor de la parte superior de la madera.

Akiko Mimasu: Sitio web | Facebook | Instagram

Todas las imágenes vía Akiko Mimasu.

Artículos relacionados:

Artista distorsiona la realidad en sus fascinantes esculturas surrealistas

Estas esculturas engañan al espectador para explorar la relación entre los humanos y la naturaleza

Pasado y presente chocan en estas llamativas esculturas de mármol que parecen distorsionarse

READ: Etéreas figuras durmientes emergen magistralmente de bloques de madera

Si tienes un perro, probablemente tienes cientos (si no es que miles) de fotos suyas en tu teléfono. Bueno, un artista del Reino Unido transforma las fotos de tus cachorros en tiernas esculturas en miniatura. Laura de Laura's Felt Dogs se inspira en perros de la vida real para crear esculturas de fieltro realistas y adorables.

El fieltrado con aguja consiste en “picar” piezas de lana hasta que se vean unidas y produzcan una forma redonda y firme. Como resultado de esta técnica y los materiales que utiliza la artista, las esculturas de Laura parecen retratos realistas de diferentes perros.

Desde perritos de orejas caídas hasta cachorros desaliñados, su diverso portafolio muestra la diversidad de sus sujetos. Y después de que Laura plasma con éxito la imagen del perro, siempre se asegura de agregar una sonrisa encantadora a su rostro, para que haga feliz a su familia una vez que llegue a su nuevo hogar.

A continuación, ve más perros de fieltrado con aguja y visita el Instagram de Laurapara pedir el tuyo.

Laura, la mente detrás de Laura's Felt Dogs, crea esculturas de perros con la técnica del fieltrado con aguja.

Cada uno está inspirado en fotos de cachorros reales.

Laura's Felt Dogs: Facebook | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Laura's Felt Dogs para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Artista da vida a toda una colección de adorables animales de fieltro

Estas tiernas esculturas de fieltro parecen piezas de pan que han cobrado vida

Un amante de los gatos convierte el pelo de su mascota en unas adorables pantuflas

READ: Artista usa el fieltrado con aguja para rendir tributo a algunos perritos sonrientes

Los rostros humanos cobran vida en las esculturas industriales de Darius Hulea. Este artista con sede en Rumanía utiliza hierro, acero inoxidable, latón y cobre para realizar expresivos retratos inspirados en la historia y la mitología. Tomando los bocetos de los antiguos maestros como inspiración, Hulea traduce la rapidez y fluidez del dibujo en formas tridimensionales.

A pesar de la rigidez de su medio, sus esculturas muestran una soltura y espontaneidad que no suelen asociarse al metal. Muchas de las piezas de Hulea adoptan la forma de un hombre con pelo largo y barba, y entrelaza los alambres para imitar la apariencia de mechones largos y rebeldes. La densidad de los numerosos alambres individuales crea una interesante textura que recuerda al cabello que se mueve con el viento.

Además de crear pelo con alambre metálico, Hulea también encontró una forma de imitar el aspecto de la piel. En lugar de dejar los alambres como hebras largas e individuales, fusiona las piezas en una forma sólida similar a una placa. La única evidencia que queda de los alambres es un exterior lleno de textura, lo que le da una superficie táctil a la escultura.

Puedes estar al tanto de los últimos proyectos de Hulea siguiéndolo en Instagram.

Darius Hulea usa alambres de metal para crear fascinantes retratos humanos.

Su arte se inspira en la soltura y la fluidez del dibujo.

Hulea traduce estos elementos del dibujo en esculturas de metal de figuras inspiradas en la historia y la mitología.

Darius Hulea: Instagram | Facebook | Behance

My Modern Met obtuvo permiso de Darius Hulea para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Esculturas de acero de tamaño real imaginan a las raíces como figuras humanas

Este artista coloca esculturas que desafían la gravedad en espacios públicos de todo el mundo

Ramas metálicas brillantes “crecen” para formar elegantes esculturas de animales

READ: Fascinantes rostros humanos emergen entre alambres delicadamente plegados

Este artículo puede contener links de afiliados. Si realizas una compra, My Modern Met puede obtener una comisión. Por favor lee nuestra divulgación de afiliados para mayor información.

Cultivar y mantener un jardín puede dar mucho trabajo, pero la artista Raya Sader Bujana crea plantas diminutas que viven para siempre. Esta creadora con sede en Barcelona elabora una gran variedad de plantas que caben en la palma de tu mano. Cada una es idéntica a su inspiración en la vida real, solo que es mucho más pequeña.

Bujana estudió arquitectura en la escuela, pero siempre se interesó por las manualidades. “Las plantas en miniatura empezaron como un proyecto personal”, explica a My Modern Met. “No solo soy una miniaturista, sino que me encantan los detalles y los detalles realmente pequeños son un reto. Así que desafiarme a mí misma para ver hasta dónde podía llegar con los detalles en algo realmente pequeño era muy atractivo”. Elegir a las plantas como tema fue algo natural, ya que tenía su propia colección de plantas de interior.

Dependiendo de lo que quiera hacer, Bujana suele tener que cambiar o adoptar nuevas técnicas para adaptarse a la textura y la forma del objeto. “Creo que lo que más me gusta es el reto de la escala y el reto del propio material/medio”, añade. Con un nivel de detalle tan increíble, es difícil apreciar el trabajo de Bujana hasta que fotografía las esculturas junto a sus manos. Es allí cuando realmente se puede apreciar su minúsculo tamaño.

Puedes comprar piezas originales y más a través de la tienda de Etsy de Bujana.

La artista Raya Sader Bujana, con sede en Barcelona, crea diminutas esculturas de plantas.

Cada una es idéntica a su inspiración en la vida real, solo que es mucho más pequeña.

Con un nivel de detalle tan increíble, es difícil apreciar el trabajo de Bujana hasta que fotografía las esculturas junto a sus manos.

Raya Sader Bujana: Sitio web | Instagram | Behance | Etsy

My Modern Met obtuvo permiso de Raya Sader para reproducir estas imágenes.

Artículos relacionados:

Artista transforma plantas en cestas en miniatura tejidas a mano

Artista crea diminutas islas flotantes con encantadoras casitas en miniatura

Artistas callejeros instalan tiendas y restaurantes en miniatura para los ratones

READ: Estas adorables plantas en miniatura te permitirán tener un jardín eterno en casa