Photo : TonPixelPro

Situé sur les eaux du réservoir Khao Tao de Hua Hin en Thaïlande, se trouve un hôtel composé de cinq bungalows en bambou, tous construits avec des matériaux locaux. Ces maisons d’hôtes dans la destination éco-touristique, bien connue sous le nom de Turtle Bay, sont un peu plus excitantes que votre chambre d’hôtel moyenne. Le design lui-même renvoie au folklore local.

Dans le folklore thaïlandais, les tortues sont un symbole de prospérité et de chance car elles ne reculent jamais ou ne se retournent jamais pour regarder en arrière. On trouve aussi souvent des tortues à Hua Hin. En fait, le nom du réservoir — Khao Tao — se traduit littéralement par “l’île de la Tortue”. L’architecte Sarawoot Janseng-Aram de Dersyn Studio a décidé d’honorer le lien du site avec les tortues dans la conception de la nouvelle station.

Photo : TonPixelPro

Le toit de la structure ressemble à la coquille protectrice de l’animal et est recouvert de bardeaux foncés. Jansaeng-Aram croit que la texture et le chevauchement du matériau refléteraient le mieux la nature de la carapace de la tortue. L’architecture a également été inspirée par la sagesse de la construction locale, des pratiques durables de la construction avec le bambou à la méthode de refroidissement des intérieurs de la cabine.

Une façon remarquable de combiner les méthodes de construction durables et les connaissances locales est l’utilisation du “poon-tum”, un matériau de construction local couramment utilisé pour construire d’anciens temples. La forme réelle des bâtiments, ainsi que les choix de matériaux spéciaux, ont également contribué à rendre le projet plus durable. Jansaeng-Aram a créé de grands espaces intérieurs avec de hauts plafonds et des fenêtres placées pour créer une ventilation naturelle pour rafraîchir les chambres. La nuit, Turtle Bay est éclairée par des panneaux solaires sur certains toits de bungalow.

Explorez la station à travers les photos ci-dessous. Pour plus d’informations sur ce site éco-touristique unique, consultez le site Web de Turtle Bay.

La destination éco-touristique de Turtle Bay en Thaïlande est composée de cinq bungalows flottants en bambou qui célèbrent le folklore local.

Photo : TonPixelPro

Le design de chaque bungalow est inspiré par la forme des tortues elles-mêmes.

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Les immeubles de bureaux en verre typiques ont souvent de la difficulté à laisser entrer la lumière naturelle tout en préservant l’intimité. L’architecte Farhad Mirzaie et A.P.P Architects & Associates ont construit un écran de brique paramétrique qui fait les deux. Conçu pour un immeuble de bureaux dans la ville iranienne d’Arak, Revolving Bricks Serai utilise un algorithme pour définir la rotation des briques sur la façade.

La rotation graduelle des briques crée un effet d’ondulation qui se lit différemment selon l’angle sous lequel il est vu. L’apparence est encore améliorée avec un autre détail soigneusement considéré. Les extrémités courtes de chaque brique sont colorées avec des nuances de bleu et de vert pour mettre en évidence l’effet de la rotation.

Le design paramétrique est une tendance populaire dans l’architecture contemporaine. Il aide les designers à réaliser des formes futuristes et permet un haut niveau de contrôle sur une série de mouvements de conception. Les briques sont un support particulièrement utile pour les outils de conception paramétriques, car les petites unités peuvent être manipulées de diverses façons, y compris en poussant, en tirant et (dans ce cas) en tournant.

Pour encore plus de projets innovants, consultez le travail du designer sur Instagram.

L’architecte Farhad Mirzaie et A.P.P Architects & Associates ont construit une façade paramétrique en briques pour un bâtiment à Arak, en Iran.

L’écran de brique dynamique de Revolving Bricks Serai permet à la lumière d’entrer dans les bureaux tout en préservant la confidentialité.

Farhad Mirzaie : Instagram | Facebook | Pinterest | LinkedIn

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Lorsque le photographe de rue Sébastien Durand a commencé sa pratique en 2017, il cherchait l’inspiration autour de lui. Heureusement, il ne lui a pas fallu trop de temps pour réaliser qu’il pouvait profiter de son trajet pour se rendre au travail et faire preuve de créativité dans le métro. Le résultat est un portfolio croissant d’images mémorables qui détaillent les petits moments de la vie pendant que les passagers vaquent à leurs occupations.

En choisissant de capturer ces images en noir et blanc, l'artiste donne à sa photographie une sensation intemporelle. Bien que prises dans le métro de Paris, on a la sensation qu’ils pourraient être n’importe où à n'importe quel moment. Pour Sébastien Durand, le manque de couleur donne également aux amateurs de son travail une chance de décider eux-mêmes où se concentrer.

“Je trouve que la couleur dirige naturellement le regard vers le sujet principal, au détriment de l’environnement et des sujets ou motifs secondaires,” dit-il à My Modern Met. “Le noir et blanc n’impose rien et donne le temps de découvrir l’image en la parcourant à sa façon. J’aime l’idée de prendre le temps de visiter une photographie. Cela correspond bien à l’histoire que je voulais partager.”

Au fil du temps, les travaux de Sébastien Durand dans le métro ont naturellement évolué en deux séries différentes. La première met en vedette la vie quotidienne dans le métro, tandis que la seconde examine les gens et leurs interactions inconscientes avec ce que le photographe appelle “le mobilier urbain.” Cette deuxième série, intitulée Subway Travel Companions, utilise des publicités et d’autres éléments pour ajouter un peu d’ironie. Ces “clins d’œil au spectateur” sont sa façon de célébrer le flux des foules anonymes.

Au final, le métro a été un merveilleux professeur pour Sébastien Durand. “C’est seulement lorsque j’ai pris le temps de poser les yeux sur mon trajet que j’ai découvert à quel point ces petits voyages quotidiens et insignifiants peuvent être intéressants”, raconte-t-il. “Toute l’humanité semble s’y rencontrer. C’est peut-être la première leçon que l’on devrait suivre pour apprendre la photographie de rue, c’est-à-dire poser l'appareil et être attentif aux autres.”

Le photographe de rue français Sébastien Durand a perfectionné son art en prenant des photos dans le métro parisien.

Ses photos en noir et blanc sont intemporelles.

Il a également une série de photos montrant des foules anonymes interagissant avec le mobilier urbain.

Sébastien Durand : Site Web | Facebook | Instagram

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Ian Strange, 2021, “LIGHT INTERSECTIONS II,” Installation Publique, Sydney Australie. (Images avec l'aimable autorisation de l'artiste.)

L’artiste transdisciplinaire Ian Strange s’est fait un nom grâce à ses œuvres inspirantes qui explorent les éléments de l’architecture, de l’espace et de notre concept de foyer. Dans l’une de ses œuvres les plus récentes, intitulée LIGHT INTERSECTIONS II, l’artiste transforme une maison victorienne délabrée, située en bordure de Sydney, en Australie, avec une installation lumineuse frappante. Ian Strange transfigure la façade couverte de graffitis du bâtiment, transformant la perspective linéaire en faisceaux de lumière qui perforent l’extérieur du bâtiment et percent ses murs intérieurs.

“Les lignes de lumière dans Intersections sont une tentative de remplacement des lignes de perspective abstraites dans l’environnement”, explique l'artiste. “Ces lignes de perspective n’apparaissent pas dans la nature, mais sont des éléments de base de la peinture, du dessin et de l’architecture, utilisés pour contenir, représenter et changer l’environnement naturel.”

Ian Strange est peut-être mieux connu pour ses interventions architecturales à grande échelle qui déstabilisent notre compréhension de l’utilité et de la fonction de certains environnements construits. Et dans la même veine, ce travail sert à éclairer cet édifice négligé d’une perspective nouvelle, à la fois au sens propre et au sens figuré. “Tous mes projets proviennent d’une pratique du dessin, explique l’artiste. Je me suis donc toujours intéressé à la façon dont la ligne dessinée se manifeste dans le monde réel, en particulier la façon dont les architectes et les artistes utilisent les lignes de perspective pour interpréter et aussi changer le paysage.”

LIGHT INTERSECTIONS II a été commandée par la Ville de Sydney dans le cadre d’une série d’œuvres d’art public et s’inscrit dans la continuité d’une série en cours qui a débuté avec l’installation lumineuse de 2019 au Lyon Housemuseum, juste à l’extérieur de Melbourne. Ian Strange a terminé cette dernière version du projet en collaboration avec la firme de design australienne OFFICE et la société de production Scoundrel Projects. Ensemble, ils ont conçu plus de 120 mètres d’éclairage LED et d’acier d’ingénierie afin de créer l’illusion que les faisceaux de lumière flottaient dans les airs en pénétrant la maison à deux étages.

Découvrez des images de l’installation lumineuse spectaculaire d'Ian Strange ci-dessous. Pour en savoir plus sur l’artiste, visitez son site Web ou suivez-le sur Instagram. Vous pouvez également en apprendre davantage sur LIGHT INTERSECTIONS II en lisant l’essai qui l’accompagne, intitulé Threads of Vision, du professeur agrégé de l’Université de Melbourne, Rory Hyde.

L’artiste transdisciplinaire Ian Strange a créé une installation lumineuse spectaculaire dans une maison victorienne délabrée.

Le projet est intitulé LIGHT INTERSECTIONS II.

Les faisceaux de lumière qui se croisent représentent les lignes de perspective linéaire qui sont abstraites puis réinsérées dans la structure.

Ian Strange : Site Web | Instagram | Facebook | Twitter

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“I Crochet Portland,” 2006-2009, 63 x 114 in.

L’artiste écossaise Jo Hamilton repousse les limites du crochet avec ses “peintures en crochet.” Ses sujets vont des portraits étonnamment colorés aux paysages urbains minutieusement cousus avec du fil recyclé. Ses œuvres textiles nuancées jouent avec la couleur, la ligne, et la texture, elles contestent nos perceptions traditionnelles du crochet comme une forme d’art. Sans doute une pionnière dans le domaine de l’art du crochet figuratif, Hamilton utilise son travail pour commenter les questions complexes qui affligent la société aujourd’hui, se concentrant particulièrement sur la crise climatique imminente. En fait, l’œuvre la plus récente de l’artiste, qui a été exposée en novembre dernier, porte un regard critique sur la relation tendue de l’humanité avec l’environnement et l’impact dévastateur qu’elle a sur notre planète.

“Transitory Trespass traite de mes sentiments au sujet de la façon dont la race humaine interagit avec le monde naturel, en l’idéalisant et en le détruisant à la fois”, raconte Hamilton à My Modern Met. “Dans ma préoccupation (et ma légère obsession) concernant la crise climatique liée à la pollution par le plastique, j’ai aussi commencé à recycler le plus possible de déchets plastiques pour en faire du “plarn” mon travail.”

Le “Plarn” (contraction de “plastic” et “yarn”) est un fil fabriqué à partir d'objets tels que les sacs en plastique jetables et d’autres déchets plastiques courants. Hamilton le fait elle-même en coupant les poignées et le bas des sacs en plastique et en formant des boucles qui sont ensuite nouées pour former des fils à deux brins. L’artiste s’est engagée il y a des années à cesser d’acheter du fil neuf en raison de la pollution créée au cours de son processus de fabrication et de l’impact négatif qu’elle a sur l’environnement. Au lieu de cela, elle utilise seulement son plarn maison et tout fil régulier qu’elle peut trouver d’occasion.

Cela ajoute une autre dimension à son travail, qui va au-delà de simplement commenter sur ce sujet, en devenant une partie de la solution. Cependant, Hamilton sait qu’il reste encore beaucoup à faire. “Bien que je me sente un peu mieux de réutiliser certains déchets plastique, je pense que le fardeau de la crise devrait incomber aux fabricants, aux entreprises et, ici, aux États-Unis, au gouvernement fédéral”, explique l’artiste.

“Masked : Yoghurt, Turmeric Fragments,” 2014, 42 x 28 in. (Photo : Kevin McConnell)

Du processus laborieux de création de son propre plarn à l’échelle et à la complexité de chacune de ses pièces, on ne peut qu’imaginer la quantité de temps et d’efforts impliqués pour chaque composition extraordinaire.  Chaque point sert un but plus large : faire réfléchir les gens et réévaluer l’impact que nos vies et habitudes quotidiennes ont sur le monde autour de nous.

“J’espère que les sujets et les matériaux pourront nous aider à reconsidérer notre relation avec le monde artificiel et le monde naturel, et que nous serons en mesure de nous retirer du “monde rapide”. . . l’approche du point de bascule où les déchets artificiels de l’obsolescence programmée éteindront le monde naturel, et nous pour de bon”, déclare Jo Hamilton. “J’espère que ma façon très lente de travailler, en opposition au rythme effréné de la vie moderne, pourra nous encourager à ralentir, à apprécier ce que nous avons et à atténuer la faim de plus de choses.”

Faites défiler vers le bas pour voir des images des superbes œuvres aux crochet de Hamilton. Son travail sera de nouveau exposé l’an prochain en octobre 2022 à la Timeless Textiles Gallery en Australie. D’ici là, gardez un œil sur de nouvelles œuvres en suivant l’artiste sur Instagram. Et vous pouvez même commander votre propre œuvre en visitant le site Web de l’artiste.

L'artiste écossaise Jo Hamilton crée des œuvres d’art au crochet complexes qui commentent les grandes questions sociétales, comme le changement climatique.

“Cherry Steel Above and Below,” 2017, 68 x 122 in. (Photo : Kevin McConnell)

“No Man’s Coverage,” 2021, 23 x 39 in. (Photo : John Clark)

“Death Star PDX,” 2018, 45 x 52 in. (Photo : John Clark)

“Western Tattooed Man Moth,” 2021, 20 x 39 in. (Photo : John Clark)

Chaque pièce est réalisée à partir de fil de seconde main ou fait à partir de plastique recyclé.

“Shining Mountain Eclipse,” 2021, 41 x 91 in. (Photo : John Clark)

“Shine Me Shine You,” 2017, 43 x 82 in. (Photo : Kevin McConnell)

L'art en crochet complexe de Hamilton, en particulier ses portraits, pousse les limites de l’artisanat traditionnel comme un moyen artistique.

“Masked : Groucho Gia,” 2013, 51 x 36 in.

“Masked : Metamorphic,” 2021, 31 x 21 in. (Photo : John Clark)

“Masked : The Flower of My Radiation Burn,” 2017, 28 x 21 in. (Photo : Kevin McConnell)

“Masked : Marbled,” 2021, 24 x 18 in. (Photo : John Clark)

Jo Hamilton : Site Web | Instagram | Facebook

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L’eau est l’une des ressources naturelles les plus précieuses de la terre, et elle est essentielle pour toutes les formes de vie organique. Cependant, l’accès à l’eau potable est une nécessité fondamentale qui est devenue un privilège ou même un produit inaccessible pour de nombreuses personnes dans le monde. Mais une entreprise en démarrage a créé une machine révolutionnaire qui pourrait changer la donne. Ce dispositif novateur, appelé Kara Pure, permet de prélever de l’eau potable pure dans l’air et de distribuer jusqu’à 10 litres de liquide précieux par jour.

Le système innovant de filtration air-eau fonctionne également comme un purificateur d’air et un déshumidificateur, capable de produire de l’eau propre même à partir de l’air le plus pollué. Tout d’abord, l’unité recueille l’air et le filtre. L’air purifié est ensuite converti en eau, qui passe ensuite par son propre système de filtration. Après cela, l’air nettoyé et purifié est relâché dans l’environnement, tandis que l’eau purifiée est stockée pour votre consommation. Pour l’instant, Kara Pure ne distribue de l’eau qu’à température ambiante, mais la start-up s’est engagée à développer une fonction eau chaude et froide lorsqu’elle atteindra son objectif de 200000 $. Et jusqu’à présent (à ce jour), ils ont déjà levé plus de 140000 $ sur Indiegogo.

Grâce à son design minimaliste et luxueux, Kara Pure est écologique et contribue également à améliorer le bien-être en fournissant “de l’eau alcaline élevée”. À l’aide de son ionisateur intégré, la machine sépare l’eau en ses parties acides et alcalines. Il améliore ensuite l’eau avec des minéraux au pH alcalin, y compris le calcium, le magnésium, le lithium, le zinc, le sélénium, le strontium et l’acide métasilicique pour donner un puissant coup de pouce à votre système immunitaire et la santé globale.

“Ce n’est qu’en réunissant une équipe d’ingénieurs et de conseillers professionnels de différentes industries qu’il a été possible de mettre au point une technologie capable de produire jusqu’à 10 litres d’eau potable dans l’air”, explique la start-up. “Nous voulons réduire la dépendance à l’eau souterraine en puisant pleinement dans l’air avec Kara Pure pour donner à tous l’accès à de l’eau potable de qualité supérieure.”

Le projet en est encore au stade du crowdfunding, mais la production de masse débutera en février 2022. Et le produit final sera expédié en juin 2022. Pour en savoir plus sur Kara Pure, visitez le Site Web de l’entreprise, ou suivez-les sur Instagram. Vous pouvez également soutenir leur campagne en les soutenant sur Indiegogo.

Kara Pure est un système innovant de filtration air-eau qui produit de l’eau potable propre à partir de l’air.

Regardez cette vidéo (en anglais) pour en savoir plus sur Kara Pure.

Kara Pure : Site Web | Instagram | Facebook | Twitter | Indiegogo

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L’astrophotographe Andrew McCarthy ne fait jamais de pause. Après une image pour laquelle il a capturé la séquence complète de l’éclipse lunaire partielle, il est de retour avec une incroyable photo du Soleil. Comme d’habitude, elle est remplie de détails grâce au volume d’images qu’il a combinées. Au total, 150000 photos ont été utilisées pour atteindre ce résultat final.

Intitulée Fire and Fusion, cette photo de 300 mégapixels met en valeur la surface sinueuse et tourbillonnante du Soleil. À l’aide d’un télescope modifié, McCarthy a pu prendre sa photo la plus détaillée du Soleil. Le résultat est un régal pour les yeux. Des éruptions et des taches solaires sont visibles, montrant à quel point cette boule de plasma est chaotique. Pour McCarthy, le Soleil est une source constante d’inspiration. “Chaque fois que je photographie, je vois différentes formes dans le plasma. C’est fascinant”, raconte-t-il à My Modern Met.

Fait incroyable, Andrew McCarthy a pu capturer cette photo depuis son jardin en Arizona. En fait, toutes les images qu’il a utilisées pour composer la photo ont été prises en une nuit. Comme toujours, il a dû être patient et s’assurer que l’atmosphère se stabilise avant d'appuyer sur l'objectif. Heureusement, il a obtenu une vue claire à la fin du mois de Novembre et a pu faire de cette photo une réalité.

Il a rendu la photo disponible en édition limitée imprimée et en téléchargement numérique via son site Web. Si vous souhaitez soutenir son travail, vous pouvez également rejoindre son Patreon, où des versions en pleine résolution de ses images sont disponibles à l’impression.

Découvrez quelques-uns des détails spectaculaires de la photo du Soleil en haute résolution d’Andrew McCarthy.

Un total de 150000 photos ont été utilisées pour créer cette vision du Soleil en 300 mégapixels.

Andrew McCarthy : Site Web | Instagram | Patreon | YouTube 

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Le chapitre Transcendance de AIR, Expérience immersive au SUMMIT One Vanderbilt

Récemment inauguré, le SUMMIT One Vanderbilt offre aux New-Yorkais et aux touristes de multiples points de vue et des installations numériques immersives, le tout assorti de 23 000 mètres carrés de surfaces miroitantes. Air de Kenzo Digital est une installation permanente dans l’espace qui comprend des ascenseurs extérieurs qui transportent les visiteurs à la plus haute altitude de la tour, un salon conçu par Snøhetta, et plus encore.

Cette expérience qui semble induire le vertige est unique dans la ville. “L’histoire porte sur vous en tant que protagoniste, sur votre relation avec la nature, sur votre relation avec New York et, plus important encore, sur votre relation avec vous-même”, affirme Kenzo Digital. “C’est une expérience très contemplative et surréaliste. C’est une sorte d’expérience de la nature qui se traduit à New York.”

Le chapitre Transcendance de AIR, Expérience immersive au SUMMIT One Vanderbilt

Avec le placement attentif des miroirs, l’horizon se transforme en une expérience surréaliste. Les bords de l’espace semblent moins définis, et les visiteurs sont amenés à se sentir comme s’ils flottaient au-dessus de New York. Ce faisant, les designers réinventent également l’acte d’observation. Les visiteurs ne regardent pas seulement vers l’extérieur, mais tout autour d’eux, vers l’espace qu’ils habitent. D’autres touristes font également partie de l’expérience, transformant le rôle du visiteur d’observateur à participant.

L’espace comprend également des sortes de boîtes en verre, permettant aux visiteurs de faire l’expérience de l’air à partir d’une altitude défiant la gravité. Les boîtes, qui semblent physiquement détachées de la façade du bâtiment, renforcent l’idée de lévitation. Si les points de vue ne suffisent pas, les visiteurs peuvent profiter de la plus haute élévation de One Vanderbilt et de la perspective la plus spectaculaire de New York avec Ascent, un ascenseur en verre qui les transporte sur le côté de l’édifice. Quand ils arriveront à leur destination, ils seront au plus haut point de vue du centre-ville.

Pour plus d’informations et pour planifier votre voyage, visitez le site Web de SUMMIT One Vanderbilt. Découvrez un aperçu de ce que les designers vous réservent pour votre visite ci-dessous.

SUMMIT One Vanderbilt offre des vues surréalistes de New York.

Le chapitre Transcendance de AIR, Expérience immersive au SUMMIT One Vanderbilt

Le chapitre Transcendance de AIR, Expérience immersive au SUMMIT One Vanderbilt

Le chapitre Transcendance de AIR, Expérience immersive au SUMMIT One Vanderbilt

Le SUMMIT One Vanderbilt Affinity de nuit

SUMMIT One Vanderbilt Ascent, un voyage dans un ascenseur de verre.

Kenzo Digital : Site Web | Instagram
SUMMIT One Vanderbilt : Site Web | Instagram | Facebook | Twitter | YouTube | LinkedIn
Kohn Pederson Fox (KPF) : Site Web | Instagram | Facebook | Twitter | Vimeo | LinkedIn
Snøhetta : Site Web | Instagram | Facebook | Twitter | LinkedIn

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Les couchers de soleil vous offrent un moment pour oublier vos soucis et tout simplement profiter de la beauté de la nature. Cependant, plutôt que de simplement s’asseoir et de se perdre dans la lueur chaude, l'artiste photographe Sulabh Lamba s’occupe de transformer le soleil en souvenir un peu plus durable. Il crée des photos de silhouettes cinématographiques qui célèbrent la vie elle-même.

Le créateur de 22 ans vit dans le petit village de Golia, situé au sud-ouest de New Delhi, en Inde. Quand il était enfant, la photographie était un passe-temps; aujourd’hui, c'est son métier. Le soleil est une source constante d’inspiration pour le jeune photographe, et il est capable de l’intégrer dans ses photos de la manière la plus imaginative qui soit.

Lamba utilise des perspectives intelligentes et l’édition numérique pour faire croire que le soleil brûlant est un objet que nous pouvons tenir dans nos mains. Peu importe la scène, Lamba parvient toujours à capturer de charmants moments d’amitié, d’aventure, et même un peu de malice.

“Au début, le soleil n'était pas vraiment mon objectif, révèle Lamba. J’adore les couchers -plus que les levers- de soleil, et j’en ai vu de nombreuses images sur les réseaux sociaux. Elles m’ont vraiment inspiré, et j’ai commencé à créer ce contenu. J’ai compris que j’aimais les images avec de la lumière projetée par l'arrière, et les silhouettes. J’ai donc utilisé mes compétences créatives et j’ai créé des images intéressantes.”

Lamba a maintenant plus de 31.000 abonnés Instagram, mais il ne s’attendait pas à gagner une telle popularité. “En 2014, j’ai vu l’annonce d’un concours de photos du National Geographic”, se souvient-il. “Pour cela, j’ai créé un compte Instagram et j'ai publié mes images sous ce hashtag particulier.” Ce qui a commencé comme quelques publication, est devenu un énorme portfolio en ligne, attirant un public toujours plus nombreux. “Je n’aurais jamais pensé qu'autant de gens se joindraient à moi dans cette aventure. Je suis extrêmement reconnaissant. Je me sens vraiment chanceux.”

Découvrez des photos de couchers de soleil de Sulabh Lamba ci-dessous, et découvrez-en davantage sur Instagram.

Le photographe Sulabh Lamba crée des photos de silhouettes cinématiques qui tirent parti des couchers de soleil.

Chaque image capture des moments d'amitié, d'aventure et de malice.

Sulabh Lamba : Instagram

My Modern Met a obtenu l'autorisation d'utiliser les photos de Sulabh Lamba.

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Lunettes de neige Iñupiat en ivoire. Créées entre 1880 et 1900. (Photo : National Museum of the American Indian)

Quiconque a passé beaucoup de temps dehors dans la neige sait combien il est important de protéger ses yeux. Les rayons du soleil reflétés sur la neige blanche peuvent conduire à la photokératite, ou “cécité des neiges”, une situation très inconfortable causée par une exposition excessive à la lumière UV. Les peuples autochtones de la région de l’Alaska étaient certainement conscients de ces dangers et ont créé des lunettes pour se protéger.

Appelés ilgaak en inuktitut et nigaugek dans le Yupik central, ces lunettes de neige sont un peu différentes de celles que vous utiliseriez sur les pistes de ski. Les lunettes créées par les Inuits et les Yupik ont deux fentes minces et sont taillées dans une variété de matériaux, dont le bois, l'os et même les fanons de baleine.

On peut trouver plusieurs exemples de ces lunettes au Musée national des Indiens américains du Smithsonian. Les petites fentes réduisent non seulement l’éblouissement et la réflexion, mais elles peuvent en fait améliorer la vision. En focalisant la lumière, les fentes agissent comme une caméra à sténopé et aident à affiner et à focaliser la vision. C’est un système qui remonte à loin pour les peuples autochtones de la région. En effet, des lunettes de neige ont été trouvées dans des sites archéologiques inuits remontant jusqu’à 2 000 ans.

Au fil du temps, les matériaux des lunettes ont peut-être changé — on peut les trouver en plastique aujourd’hui —, mais le design d’origine demeure. C’est un cas classique d’ingénierie précoce grâce à l’expérience acquise et, il s’avère, cette conception traditionnelle tient le coup.

Les peuples Inuit et Yupik ont fabriqué des lunettes de neige pendant des siècles.

Photo : Julian Idrobo, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Les petites fentes protègent les yeux contre la cécité des neiges et améliorent la vision.

Lunettes de neige Inupiaq fabriquées à partir de fanons et de tendons. Créées vers 1890. (Photo : National Museum of the American Indian)

Des matériaux tels que le bois et l'os étaient utilisés pour créer ces lunettes de neige.

Lunettes de neige en bois de l'île de Baffin. Créées vers 1920. (Photo : National Museum of the American Indian)

Lunettes de neige Inupiaq fabriquées à partir de sabots de caribou, de peaux de phoque et de tendons. Créées en 1961. (Photo : National Museum of the American Indian)

Le modèle est toujours produit aujourd'hui, utilisant des matériaux modernes et traditionnels.

Lunettes de neige Inuit en os de caribou. Créées en 2002. (Photo : National Museum of the American Indian)

Lunettes de neige contemporaines fabriquées en plastique. Créées entre 1970 et 1990. (Photo : National Museum of the American Indian)

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