Los pintores dominicanos, con influencias y orígenes diversos, han hecho de su país uno de los más ricos y fascinantes en cuanto a producción artística, no solo en la región caribeña, sino a nivel continental. Desde cuadros costumbristas hasta composiciones reveladoras, la obra de los artistas dominicanos destaca por la determinación de sus pinceladas, la riqueza de técnicas y la pluralidad de perspectivas.

Conoce a 11 pintores dominicanos que dejaron huella en la historia del arte de su país.

Leopoldo Navarro (1862-1908)

 

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Leopoldo Navarro fue un matemático, educador, pintor y escultor. Nacido en Santo Domingo, vivió en París y Madrid, donde perfeccionó su técnica pictórica. Inspirado por el impresionismo, experimentó con el uso de la luz y el color en sus composiciones. Entre sus obras, destacan sus retratos en acuarela en pequeña escala, como Espadachín y Las Canasteras. Fue un promotor clave de las artes y el desarrollo cultural en República Dominicana, por lo que una importante avenida de la ciudad de Santo Domingo lleva su nombre.

Celeste Woss y Gil (1891-1985)

 

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Celeste Woss y Gil fue la primera mujer dominicana en convertirse en artista profesional. Su padre era Alejandro Woss y Gil, quien fue presidente de la República Dominicana, por lo que pasó sus primeros años de vida en el exilio en Francia y Cuba. Además de ser artista plástica y profesora, fue una activista feminista y formó parte del movimiento sufragista. Estudió y expuso en Nueva York en la década de 1920. Además, en 1942 participó en la fundación de la Escuela Nacional de Artes Visuales.

Yoryi Morel (1906-1979)

 

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Jorge Octavio Morel Tavares, mejor conocido como Yoryi Morel, ha sido considerado el pintor dominicano costumbrista por excelencia, y un pionero de esta disciplina en su país. Inició su educación artística a los 11 años, aunque desarrolló gran parte de sus habilidades de forma autodidacta. En su obra, cuyo hilo conductor es una paleta luminosa de influencia impresionista, hay paisajes llenos de color, escenas de la vida cotidiana y retratos de personas de la clase trabajadora.

Guillo Pérez (1923-2014)

“Carretas y bueyes”, 1976 (vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Guillo Pérez, cuyo nombre completo era Guillermo Pérez Chicón, nació en San Victor, Moca, provincia de Espaillat. Su medio preferido era el óleo sobre tela, con el que creaba expansivos paisajes a través del uso de la espátula y pigmentos de colores vivos. Considerado uno de los pintores dominicanos más prolíficos de todos los tiempos, Pérez también fue director de la Escuela de Bellas Artes de La Vega y la Escuela de Bellas Artes de Santo Domingo.

Clara Ledesma (1924-1999)

 

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Originaria de Santiago de los Caballeros, Clara Ledesma fue una de las primeras mujeres en realizar sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de República Dominicana. Su obra estuvo influenciada por Marc Chagall, Joan Miró y Paul Klee, y mezcló elementos del expresionismo, el surrealismo y la abstracción. Su obra forma parte de los acervos del Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo Metropolitano de Miami, el Museo de Arte Moderno de México y el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Ada Balcácer (1930)

 

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Hoy por hoy, Ada Balcácer es una de las figuras más importantes del arte abstracto en América Latina. Cuando era pequeña, Balcácer soñaba con ser doctora, pero un accidente de equitación provocó que perdiera su brazo. En 1951 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes, y posteriormente viajó a Puerto Rico y Estados Unidos para perfeccionar sus habilidades pictóricas. Ha compartido sus conocimientos de marketing con las mujeres artesanas de su país para ayudarlas a comercializar sus productos de manera justa. En 2017 fue nombrada en Reserva Cultural de la Nación por la relevancia de su obra.

Cándido Bidó (1936-2011)

“Paseo de la mañana”, 1979 (vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Pintor, dibujante y escultor, Cándido Bidó es considerado uno de los pintores dominicanos más importantes de la historia. Originario de Bonao, Bidó dejó su ciudad natal para desarrollarse como artista. Sus cuadros son protagonizados por personajes del Valle del Cibao, donde pasó sus primeros años. “Puedo verlos y sentirlos siempre a mi alrededor”, dijo el pintor. “Si intentara olvidarlos, no sería fiel a mí mismo”. Su obra es fácilmente reconocible por su paleta de colores, en la que reinan los colores primarios en tonalidades intensas.

Amable Sterling (1943)

 

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Nacido en La Romana, en la costa caribeña, Amable Sterling es un pintor, muralista y dibujante egresado de ​​la Escuela Nacional de Bellas Artes. Su obra ha sido creada en su mayoría en tonos azules, grises y violetas, con los que explora los volúmenes y posibilidades gestuales de la anatomía humana. Algunos de sus murales pueden apreciarse en el Parque Mirador Sur, uno de los espacios verdes más importantes de Santo Domingo. Sterling obtuvo el premio Identidad Latinoamericana de la Bienal de Miami de 1986.

José García Cordero (1951)

 

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Originario de Santo Domingo, José García Cordero es un pintor, fotógrafo y dibujante que radica en Francia desde 1977. Afirma haber descubierto el arte a través del arte popular en Santiago, los globos de la Virgen de la Altagracia, el carnaval y el árbol de Navidad de su madre. Su imaginario, onírico, oscuro e inquietante, cobra vida a través de una paleta de grises donde el ocasional rojo confiere poder a composiciones que confrontan al espectador con la parte más oscura del subconsciente.

Scherezade García (1966)

Foto: Scherezade García (vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Nacida en Santo Domingo, Scherezade García es una pintora, grabadora y artista de la instalación. García emigró a Nueva York a los 20 años para estudiar en la Parsons The New School for Design. Desde que se afincó en la Gran Manzana, sus obras reflexionan sobre las memorias en el hogar que dejó y las dificultades para encontrar su lugar en un nuevo país. Su obra forma parte de las colecciones del Museo Smithsoniano de Arte Americano y el El Museo del Barrio de Nueva York.

Mónica Hernández (1995)

 

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Radicada en Nueva York, Mónica Hernández ha causado revuelo en la escena del arte contemporáneo por sus obras que exploran la forma femenina desde una perspectiva personal. “Mi trabajo no está hecho simplemente para empoderar a las mujeres de color. Es más una cuestión de qué significa ser yo y reflexionar sobre mis experiencias”, le dijo a Teen Vogue. “En Historia del Arte, aprendemos sobre artistas blancos que hacen pinturas con mujeres desnudas como sujetos. Quiero darle la vuelta a eso”.

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La conservadora jefe Lesley Stevenson observa el cuadro junto a una imagen de rayos X del autorretrato oculto de Van Gogh (Foto: Neil Hanna /Galer´ias Nacionales de Escocia)

Mientras preparaban su exposición A Taste for Impressionism, los conservadores de las Galerías Nacionales de Escocia recurrieron a una técnica habitual en el mundo del arte: los rayos X. Este método se utiliza para examinar lo que hay debajo de los marcos y las capas de pintura. Al examinar un pequeño cuadro de Vincent Van Gogh, titulado Cabeza de campesina, la máquina de rayos X reveló algo sorprendente. En el reverso del lienzo, bajo capas de pegamento y cartón, había un fantasmal autorretrato del legendario artista.

El pintor holandés Van Gogh es más famoso por obras como La noche estrellada, pero sus melancólicos autorretratos también reciben mucha atención. La gente está fascinada con este artista que, en un momento de crisis, llegó a cortarse la oreja. Entre las más de 2,100 obras que creó se encuentra un sencillo retrato de una campesina. Pintado en 1885, justo antes de que el artista se trasladara de su tierra natal a los círculos artísticos de París, el cuadro presenta a una joven bastante seria con un voluminoso gorro blanco.

Al pasar por los rayos X, los conservadores descubrieron una imagen del artista con sombrero, pañuelo y oreja. Van Gogh a menudo reutilizaba los lienzos dándoles la vuelta y pintando en el reverso. El museo cree que el autorretrato se pintó después de Cabeza de campesina, cuando el artista vivía con los impresionistas en París. En esa época, su obra empezaba a ser cada vez más colorida y expresiva. Varios otros autorretratos pintados en el reverso de otras obras datan de ese periodo. El autorretrato fue probablemente cubierto por capas de cartón pegado a principios del siglo XX. Quitar el cartón será un proceso muy delicado, y actualmente los expertos están estudiando cómo podría hacerse. Por ahora, los visitantes del museo podrán disfrutar de una imagen de rayos X en una caja de luz junto al cuadro “original”.

Los conservadores de las Galerías Nacionales de Escocia descubrieron un autorretrato oculto de Vincent Van Gogh.

La radiografía que muestra el autorretrato. (Foto: Galerías Nacionales de Escocia)

Una radiografía rutinaria reveló el boceto fantasmal en el reverso del lienzo bajo capas de pasta y cartón.

“Cabeza de campesina” de Vincent Van Gogh, 1885. (Foto: Galerías Nacionales de Escocia)

Conoce más sobre este fascinante descubrimiento a continuación.

h/t: [BoingBoing.Net]

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La artista Dimitra Milan es una especie de prodigio de la pintura. Ha sido una artista profesional desde que era una adolescente, alentada por sus padres artistas y guiada por su habilidad innata para combinar elementos realistas con escenarios coloridos y etéreos. La pintora describe esta llamativa fusión como “realismo abstracto”. Cada pieza, con sus formas reconocibles y elementos que fluyen libremente, invitan a estudiar y contemplar el color, el simbolismo y la técnica.

Mujeres y animales son dos temas recurrentes en la obra de Milan. “Siempre vuelvo a esta historia de una mujer con un animal”, le dice a My Modern Met. “Las mujeres que pinto son símbolos, representan nuestro ser más verdadero donde sabemos que en el fondo todo es posible. Todo en la naturaleza tiene un significado más profundo más allá de nuestra comprensión superficial de su función, especialmente los animales.

“Cuando pinto, no me propongo ilustrar un concepto; trato de encontrar lo que significa después de que termino. De todos los animales que pinto, los lobos siguen siendo mis favoritos porque hay muchos matices dentro de su simbolismo y tienen un gran significado personal para mí”.

Si, como a nosotros, las obras de Milan te parecen hermosas y enigmáticas, puedes aprender a pintar como ella en My Modern Met Academy, nuestra plataforma de aprendizaje electrónico con cursos en línea sobre una gran variedad de temas creativos. El curso de Milan se titula Abstract Realism: Introduction to Mixed Media Painting (“Realismo abstracto: introducción a la pintura de técnica mixta”) y está disponible en inglés. En el transcurso de varias lecciones, trabajarás con ella para crear tus propias pinturas de realismo abstracto.

“Este es un proceso súper divertido y expresivo”, Milan dice sobre su curso. “Combinar la abstracción con el realismo puede parecer complicado, pero después de tomar esta clase sentirás que puedes pintar cualquier cosa que te propongas”.

Dimitra Milan ha sido una artista de forma profesional desde que era adolescente.

Ha sido alentada por sus padres artistas y guiada por su habilidad innata para combinar elementos realistas con escenarios coloridos y etéreos.

La artista describe la llamativa fusión representada en su obra como realismo abstracto.

Las mujeres y los animales son dos tema recurrentes en el creciente portafolio de Milan.

Puedes aprender a pintar como Milan en su curso en línea en My Modern Met Academy llamado Abstract Realism: Introduction to Mixed Media Painting.

Dimitra Milan:  Sitio web | Instagram | Facebook

My Modern Met obtuvo permiso de Dimitra Milan para reproducir estas imágenes.

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El artista Brett Allen Johnson captura la serena belleza del suroeste de Estados Unidos en pinturas al óleo que envuelven los sentidos. El artista plasma cuidadosamente sus recuerdos de lugares desérticos vírgenes en los que dominan las formaciones rocosas de color rojo cubiertas por cielos azules brillantes. Juntos, crean instantáneas fascinantes del terreno icónico.

El amor de Johnson por esta región comenzó cuando era niño, con viajes frecuentes de su estado natal, Utah, a Sedona, Arizona, donde residían sus abuelos. A través de su formación en dibujo, diseño y pintura, comenzó a cultivar un estilo único que enfatiza la luz y las formas de los paisajes. “Estas tierras baldías y desiertos, los cañones áridos, las playas y las grandes cuencas: aquí es donde comenzó mi trabajo, donde comienza”, dice Johnson. En sus deslumbrantes vistas, el paisaje es el tema principal, y las personas, los animales e incluso las plantas que cohabitan son elementos decorativos en comparación.

Si bien estas representaciones parecen imágenes del desierto, generalmente nacen de la imaginación de Johnson. “No suelo pintar lugares reales”, explica. “Regularmente invento obras enteras o las pinto de memoria. Me gusta invitar a los observadores a un mundo que es simplemente similar al que conocen, un mundo adyacente. Tal vez, el Oeste adyacente”. Las imponentes montañas, los cielos cerúleos y el suelo salpicado de cactus que tan a menudo aparecen en las pinturas de Johnson son algunas de las iconografías comunes que asociamos con el paisaje del sudoeste. Del mismo modo, el caballo y el vaquero ocasionales imbuyen estos espacios abiertos con un romanticismo escapista.

Puedes comprar pinturas de Johnson a través de Maxwell Alexander Gallery en Los Ángeles y mantente al día con las creaciones más recientes del pintor siguiéndolo en Instagram.

El artista Brett Allen Johnson crea exquisitas pinturas inspiradas en el desierto.

Se inspira en la serena belleza del suroeste de Estados Unidos.

Johnson pinta lugares a partir de sus recuerdos del desierto, creando una imagen romántica.

Brett Allen Johnson: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Brett Allen Johnson para reproducir estas imágenes.

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La artista Zarina Situmorang destaca la delicada belleza de las manos en sus exquisitas pinturas al óleo. Inspirada en el dramático uso de claroscuro de Caravaggio, pinta pares de manos sobre un fondo negro y añade una suave iluminación brillante que le da una sensación de delicadeza a la composición.

Esta serie de pinturas en curso se titula Warmth (“Calidez”). “Me inspiran mucho las emociones, quiero contar una historia con mis cuadros”, dice Situmorang a My Modern Met. Por eso se inclina por las representaciones de manos. A través de sus diferentes gestos, es capaz de comunicar una gran variedad de sentimientos. “¡Me fascinan las manos! Dicen más que las palabras: puedes ver la emoción o la tristeza con solo mirar los gestos de las manos”, añade. “Me dan la capacidad de hablar de esperanza, calidez y fe sin siquiera mostrar la cara”.

Situmorang realza sus pinturas de las manos aprovechando el poder de la luz. Cada uno de sus cuadros presenta un fondo sólido, similar a un escenario oscuro. A continuación, incluye una cálida luz amarilla que emana de las palmas de las manos, y su misterioso origen da una sensación general de misterio a la imagen. “La serie Warmth está inspirada en mis búsquedas de hogar: cuando era niña, no me sentía segura en el lugar donde vivía”, explica. “Siempre decía ‘quiero ir a casa', aunque no tenía otro espacio seguro. Así que al final lo encontré en mí misma, en mis propias manos”.

Puedes comprar impresiones de edición limitada y pinturas originales a través de la tienda en línea de Situmorang, y síguela en Instagram para estar al tanto de todos sus proyectos.

La artista Zarina Situmorang crea exquisitas pinturas al óleo de manos.

Esta serie, titulada Warmth, muestra pares de manos iluminadas por una cálida luz amarilla.

Utiliza las manos y la luz para comunicar diferentes emociones y sentimientos.

Zarina Situmorang: Sitio web | Instagram

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La artista Elyse Dodge es conocida por sus pinturas de paisajes con colores brillantes. Esta creadora puede tomar cualquier paisaje montañoso y transformarlo en una obra de arte contemporánea con ayuda de las formas geométricas. Su habilidad para descomponer el entorno natural en polígonos es increíble y ahora está lista para compartir todos sus secretos contigo en su nueva clase de pintura en línea. En el curso Acrylic Landscapes: Reimagining Mountains as Polygons (“Paisajes acrílicos: reimaginando montañas como polígonos”, ofrecido en inglés), que podrás encontrar solo en My Modern Met Academy, la seguirás paso a paso para darle vida a tu propio cuadro.

Este curso de pintura de nivel intermedio ya está disponible en preventa; su lanzamiento será el 22 de julio de 2022. Si adquieres el curso durante el periodo de preventa, recibirás un 10% de descuento si ingresas el código polygon10 al finalizar la compra. Después, una vez que se publique la clase, la encontrarás en tu panel de estudiante y podrás aprender a tu propio ritmo.

En la clase, Dodge nos lleva a través de todo el proceso de creación, empezando por cómo hallar la fuente de inspiración perfecta para el paisaje y elegir una paleta de colores. Antes de poner el pincel sobre el lienzo, trabajarás un poco en la computadora para dividir tu foto base en polígonos, el sello distintivo del estilo de las creaciones de Dodge. Aunque ella usa Adobe Illustrator, puedes usar cualquier programa similar o incluso aprovechar la versión de prueba gratuita de Adobe si aún no cuentas con este software.

A continuación, Dodge compartirá sus consejos sobre las mejores pinturas acrílicas y pinceles para que tu pintura sea un éxito. A partir de ahí, verás cómo puedes transferir tu imagen al lienzo y cómo Dodge construye las formas usando acrílicos de diversos colores. Al final, habrás creado tu propio paisaje montañoso con figuras geométricas.

“Creé este curso para cualquier persona que quiera ser artista pero que tenga dificultades para encontrar su estilo o un medio para expresarse”, comparte Dodge. “Creo que todo el mundo nace con una creatividad interior, pero que la única diferencia entre tú y yo es saber usar las herramientas”.

¿Quieres intentarlo? Compra Acrylic Landscapes: Reimagining Mountains as Polygons en preventa en My Modern Met Academy hoy y obtén un 10% de descuento en tu compra antes del 22 de julio ingresando el código polygon10 al finalizar el pago.

Transforma cualquier paisaje en una pintura geométrica contemporánea con ayuda del curso Acrylic Landscapes: Reimagining Mountains as Polygons en My Modern Met Academy.

Adquiere el curso durante nuestro periodo de preventa y obtén un 10% de descuento ingresando código polygon10 al finalizar la compra.

Primero, aprenderás cómo seleccionar la imagen de paisaje perfecta y crear un moodboard que inspirará todo tu proceso creativo.

Luego, Elyse te guiará a través del proceso de dividir tu imagen en formas geométricas usando Adobe Illustrator.

A continuación, seguirás a Elyse a través del proceso de pintura, utilizando acrílicos para transferir tu imagen al lienzo.

Al final, habrás creado tu propia pintura de paisaje contemporánea.

Echa un vistazo al curso a continuación. Recuerda, puedes comprar este curso en preventa con 10% de descuento (antes del 22 de julio de 2022) con el código polygon10.

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Las flores son un tema creativo atemporal que ha inspirado algunas de las obras maestras más famosas del mundo. Entre ellas destacan, por supuesto, las icónicas pinturas de girasoles de Vincent van Gogh. Con su alegre color amarillo y sus pétalos ondulados, estas flores parecen tener una personalidad propia. La pintora Erin Hanson, con sede en Oregon, celebra la belleza de los girasoles y la tradición de las pinturas de flores en su última serie de obras de un estilo que ella llama Open Impressionism (o impresionismo abierto).

The Sunflower Collection (“Colección de girasoles”) incluye cuadros de flores cortadas en jarrones, flores silvestres y campos cultivados de girasoles. Hanson explora las formas orgánicas de los girasoles a través de su expresivo estilo de pintura. Aplica gruesas pinceladas en el lienzo, representando pétalos, hojas y tallos con una variedad de texturas fascinantes. Además, los ramos se pintan sobre fondos vibrantes, como azulejos cerúleos y paredes rojas, que resaltan el encanto de estas increíbles plantas.

“Hanson ha sido una ávida admiradora del impresionismo desde que era una niña; experimentó en persona el cuadro Lirios de Van Gogh y descubrió que un cuadro podía ser incluso más colorido que la naturaleza”, dice su galería a My Modern Met. En lugar de retratar las flores tal y como las ve, Hanson realza su aspecto de forma inesperada y sorprendente. El Open Impressionism —el movimiento artístico del que Hanson es pionera— es una versión moderna del estilo que utiliza trazos de pintura impasto sin capas.

Puedes adquirir cuadros originales y e impresiones de The Sunflower Collection a través de la página web de Hanson. Habrá una recepción de la colección en The Erin Hanson Gallery en McMinnville, Oregón, el sábado 25 de junio de 2 a 6 PM.

La artista Erin Hanson, con sede en Oregon, celebra la belleza de los girasoles en su más reciente serie.

The Sunflower Collection está inspirada en la icónica flor amarilla.

Hanson —quien ha desarrollado su propio estilo impresionista— hace referencia a las pinturas de flores de otros artistas famosos como Vincent van Gogh y Claude Monet.

Erin Hanson: Sitio web | Facebook | Instagram

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Hay algunos memes que se complementan a la perfección, pero nunca te darías cuenta hasta que alguien los pone juntos. El meme de la mujer gritando al gato es uno de los mejores ejemplos: en él, Taylor Armstrong, de la serie Real Housewives of Beverly Hills, aparece al lado de un felino descarado. Una vez que los ves juntos, nunca podrás imaginarlos separados.

El artista Ross Baines es la última persona que ha sorprendido a todo internet con una pintura que empareja perfectamente dos memes en una sola imagen divertida. Baines creó una obra de arte con el actor Ray Liotta riendo en la película Goodfellas y colocó el retrato en la misma composición junto a Leonardo DiCaprio, también riendo, en la película Django Unchained. Con sus atuendos y expresiones similares, se podría pensar que originalmente estaban en la misma escena. Pero es la habilidad de Baines como pintor lo que hace que la combinación sea perfecta (y abre la puerta a que se hagan aún más chistes en internet).

Baines comenzó esta obra tras la reciente muerte de Liotta (quien falleció el 26 de mayo de 2022). “Decidí pintar una pieza de Goodfellas y había varias imágenes geniales que consideré pintar”, cuenta a My Modern Met. “La de él riéndose es muy reconocible, pero también era muy conocida como un meme, así que pinté una pieza diferente de él primero y pensé en hacer algo más único con la imagen de la risa después”.

La inspiración llegó poco tiempo después. “Vi por casualidad el icónico meme de Leonardo DiCaprio en Twitter y ese fue mi momento ‘eureka'”, explica Baines, y entonces se puso a trabajar. “Tardé entre 25 y 30 horas en completar este cuadro y lo vendí al propietario de un bar de Australia unos días después”.

Este es el comienzo de un nuevo proyecto para Baines. “Después de pintar este cuadro definitivamente planeo pintar más piezas que combinen personajes icónicos de una manera única o inesperada”. Síguelo en Instagram para ver qué es lo siguiente que se le ocurrirá.

El artista Ross Baines creó una ingeniosa pintura que combina el meme de Ray Liotta en Goodfellas y el de Leonardo DiCaprio en Django Unchained.

Con sus atuendos y expresiones similares, uno podría pensar que originalmente estaban en la misma escena.

 

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Ross Baines: Instagram | Big Cartel

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Maud Lewis, “Black Truck”, 1967 (Foto vía Miller & Miller Auctions)

Si no tuvieras dinero, ¿qué usarías para pagar por tu comida favorita?  En la década de 1970, un restaurante familiar en Ontario, Canadá, usó sus delicias caseras para hacer intercambios con otros comerciantes de su comunidad y, sin saberlo, se hizo de una valiosa obra de arte. Como pago por sus deliciosos sándwiches de queso a la parrilla, Irene y Tony Demas recibieron una pintura de la artista folklórica canadiense Maud Lewis. Hoy, esa pintura vale más de 250,000 dólares.

Los Demas recibieron esta obra de parte de un pintor y coleccionista de arte inglés llamado John Kinnear, que se hospedaba en London, Ontario, con su esposa, Audrey. Kinnear amaba los sándwiches de queso a la parrilla; particularmente, los que preparaban los Demas, que tenían queso cheddar añejo y pan recién horneado. Además de recibir dinero en efectivo por sus sándwiches, los Demas aceptaban obras de arte. En una de estas ocasiones, Kinnear llegó con una inusual colección de pinturas.

“Me senté en silencio durante bastante tiempo. Nunca antes había visto obras de arte como esas. Al principio, pensé que podrían estar haciéndome una clase de broma. ¿Acaso fueron hechas por niños?”, dijo Irene, refiriéndose al estilo claramente infantil de las pinturas. En cambio, Kinnear explicó que las piezas fueron hechas por una mujer pobre de Nueva Escocia llamada Maud Lewis quien, en ausencia de materiales de pintura adecuados, creó obras de arte con todo lo que pudo encontrar. Esto a menudo significaba recurrir a trozos de madera y pintura que le sobraba a los pescadores para sus barcos.

A pesar de su origen humilde y materiales escasos, Lewis plasmó escenas vibrantes de la vida en Nueva Escocia, con las que celebró la belleza natural de la zona. Cuando se le mostró una serie de obras de arte de Lewis, Irene Demas se inclinó hacia la obra titulada Black Truck, en la que un un vehículo negro atraviesa un calle bordeada de árboles y flores. Como estaba embarazada en el momento de la compra, Irene usó el cuadro para decorar la habitación de su hijo. La obra permaneció ahí durante años, hasta que la pareja decidió ponerlo a la venta en 2022.

“Mi esposo tiene 90 años y no creo que tenga otros 50 años para aferrarme [al cuadro]”, explica Irene. “Mis hijos dicen, usa el dinero y viaja y simplemente disfruta de la vida”. La pintura se vendió en mayo de 2022 a través de Miller & Miller Auctions por 350,000 dólares canadienses (o 273,432 dólares estadounidenses).

Irene y Tony Demas, una pareja restauranteros canadienses, se hicieron de una pintura de la artista popular canadiense Maud Lewis.

Maud Lewis, “Black Truck”, 1967 (Foto vía Miller & Miller Auctions)

La pintura les fue entregada el coleccionista de arte John Kinnear como pago por sus sándwiches de queso.

Fotografía de Maud Lewis, tomada antes de 1970 (Foto: Ron Cogswell vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 2.0)

La familia Demas conservó la pintura durante décadas y finalmente la subastó este año por 350,000 dólares canadienses (o 273,432 dólares estadounidenses).

Foto del interior de la casa de Maud Lewis.

h/t: [The Guardian]

Todas las imágenes vía Miller & Miller Auctions.

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“Metallic Reefs”

Mujeres etéreas flotan sobre aguas transparentes en los hipnóticos cuadros de Marissa Oosterlee. Esta artista holandesa lleva años creando obras inspiradas en las propiedades curativas del agua en una serie llamada Wash Away My Sorrows. En estos cuadros, varias figuras femeninas yacen en el agua con los ojos cerrados, dejando que sus cuerpos sean envueltos suavemente por las aguas tranquilas.

Oosterlee trabaja con modelos reales para crear sus piezas, y son ellas quienes inspiran las diferentes interacciones con los entornos naturales. La artista da vida a la imagen de estas mujeres utilizando capas y capas de pintura al óleo. Algunas de estas figuras se deslizan por las aguas poco profundas boca arriba con atuendos vaporosos, mientras que otras tienen la cabeza girada hacia un lado, como si utilizaran el agua como almohada. Sin embargo, cada una de ellas parece compartir una conexión con el entorno oceánico.

“Los cuadros de esta serie —todos ellos titulados Washing Away My Sorrows con diferentes números y subtítulos— tratan del ‘antes, ahora y después'”, explica Oosterlee a My Modern Met. “La vida sin agua no es posible. El agua simboliza pureza, claridad y tranquilidad. Nos recuerda que necesitamos aclarar nuestros pensamientos de vez en cuando y que debemos esforzarnos por alcanzar un estado de pureza”. Aunque es difícil distinguir si las mujeres están durmiendo o simplemente en un momento de descanso, sus expresiones relajadas indican que están en paz con su entorno.

Desplázate hacia abajo para maravillarte con la obra de Oosterlee. Puedes adquirir obras de arte originales e impresiones a través de su tienda en línea y estar al día de sus últimas creaciones siguiéndola en Instagram.

La artista Marissa Oosterlee, con sede en España, crea increíbles retratos hiperrealistas.

“Washing Away My Sorrows IV – Floating”

“Washing Away my Sorrows III – Vibhuti, a girl's tale from India”

“Achelois – A Little Light In The Darkness”

“Sleeping Beauty”

Ella retrata a sus sujetos mientras están sumergidas en agua.

“Washing Away My Sorrows – BLM edition, Hawaii”

“Washing Away My Sorrows – BLM edition, Ethiopia”

Estas piezas forman parte de una serie titulada Washing Away My Sorrows.

“Washing Away My Sorrows – BLM edition”

Las mujeres de sus pinturas flotan en el agua con expresiones tranquilas.

“Entrapment”

Marissa Oosterlee: Sitio web | Facebook | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Marissa Oosterlee para reproducir estas imágenes.

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